[SUITE 2043]

Dame's Portrait Gallery · Page 19 of the Portrait Project

2011-10-28T09:22:00.006+02:00

http://damesportraitgallery.blogspot.com/

Omaha Bitch · Dancing Cyprine

2011-01-12T03:38:00.000+01:00

Electric Six - Synthesizer... you can't ignore my techno!!! :')

2011-01-03T03:00:00.000+01:00

mail art tanjaui

2010-12-27T15:31:00.005+01:00

Tanger, Marruecos.

welcome to kissbook!!!

2010-12-16T10:11:00.002+01:00

kissbook is a social utility that connects people with friends and others who like kissing. people use kissbook to kiss friends, upload an unlimited number of kisses, post links and video kisses, and learn more about the art of kissing. feel free to use kissbook as you like it.

Dame's Portrait Gallery · Page 14 of the Portrait Project

2010-12-14T18:39:00.002+01:00

http://damesportraitgallery.blogspot.com/

mailArt "forest"

2010-12-08T11:56:00.000+01:00

forest#6

forest#9

forest#10

forest#11

"forest". a Jiri tibor Novak in 21st Century project.

Joss Stone & Jeff Beck - I put a spell on you

2010-11-08T00:27:00.000+01:00

"Tergiversación", por Nel Amaro. artista internacional emitiendo desde Turón · Asturias.

2010-10-29T13:33:00.001+02:00

John Lennon, stand by me

2010-10-26T15:57:00.000+02:00

My girl... Where Did You Sleep Last Night (Unplugged) Nirvana

2010-10-08T15:23:00.000+02:00

Sin su amor

2010-10-06T16:48:00.000+02:00

Wipe #59

2010-08-03T16:14:00.009+02:00

Argentina: Victoria Rodriguez Agnese (Venenos) . Fernando Garcia Delgado . Samuel Montalvetti . Mercedes Resch · Australia: David Dellafiora · Belgium: Miche-Art-Universalis · Canada: Diane Bertrand . Dewi · France: JF Chapelle . Denis Charmot · Italy: Vittore Baroni . Duccio Dogheria . Serse Luigetti . Giovanni Strada · Japan: Kiyoshi Handa · Netherlands: Magda Lagerwerf · Spain: Javier F.Granda . Miguel Jimenez · U.S.A.: John M.Bennett . Laura Dunn .

Wipe is a very unusual assembling artistbook magazine produced by Field Study Publications. Artists are invited from round the world to send 40 artworks on sheets of toilet tissue. Artworks have included rubberstamp works, collage, painting, laser printing...

mailArt for "franja de gaza"

2010-06-17T19:49:00.003+02:00

mailArt "franja de gaza"

landArt on mailArt.

2010-06-16T14:05:00.004+02:00

mailArt for "Start"

2010-06-15T04:06:00.005+02:00

mailArt for "Start" mailArt project. Galeria d'Art i Disseny Patricia Muñoz [Sabadell - Barcelona]

LandArt on MailArt

2010-06-04T14:14:00.009+02:00

Convocatoria Internacional de Arte Postal
“Land Art en Mail Art”
Desarrollo de un proyecto o intervención Land Art mediante Arte Postal.
Envío de trabajos a la siguiente dirección:

Javier F. Granda

Ctra. Gral. N-634 #7

33868 SALAS – Asturias – España
Tamaño y técnica: Libre.
Fecha límite: 31 Diciembre 2010.
Todas las obras se expondrán en http://landartonmailart.blogspot.com/
No se devolverán los trabajos presentados.
Se hará un catálogo digital con texto razonado, incluyendo todas las obras recibidas y relación de artistas.
Incluir dirección postal y email.

International Mail Art - Call for Submissions
“Land Art on Mail Art”
Make a Land Art project on Mail Art.
Please send your work to:
Javier F. Granda

Ctra. Gral. N-634 #7

33868 SALAS – Asturias – Spain
Size and Technique: Free.
Closing date: December 31, 2010.
All works will be published at http://landartonmailart.blogspot.com/
Handed in work will not be returned.
A digital catalogue will be made at the end of the project, including accompanying texts, all received works and artist details.
All submissions must include postal and email address.

le taureau, symbole espagnol...

2010-05-21T13:45:00.003+02:00

Field Report 2009. Field Study International.

2010-05-15T14:17:00.003+02:00

Field Reports are the annuals of Field Study International. Field Study is a neo fluxus group with it’s roots in mailart, conceptual art and ideas on the fringes. The Field Report has been produced since 1996 and takes the form of assembling books. Artists are invited to create an edition of 100 pages conceived as a ‘Field Study Emanation’, works have included performances, instructions, manifestoes, journey works, rubber stamp works etc. Each issue has about forty artists. Size14.5x21cm, pbk, comb bound, hand stamped, numbered. These reports, like other Field Study publications have been placed in international artistbook collections such as V&A National Arts Library, Tate, London and MOMA, New York.

The 2009 Field Report includes works by:
Martha Aitchison . Antic-Ham . Vittore Baroni . Michael Basinski . Horst Baur . John M Bennett . Bev Bills . Keith A. Buchholz . Chameleon Lectra . Patricia Collins . Marc Cuthbertson . David Dellafiora . Martin Desloovere . Gracie Edwards . Phil Edwards . Dirk Fröhlich . Antonio Gomez . Javier F. Granda . Karl-Friedrich Hacker . Jo. Anne Hill . Invisible Books . Eberhard Janke . K.Frank Jensen . Kobb Laboratories . Kunst & Ko Kreaties . Susanna Lakner . Pascal Lenoir . Serse Luigetti . Francis Van Maele . The Man From Icon . Teofo Matlapeng . Christian Mildbrandt . Emilio Morandi . Ken Naigus . Keiichi Nakamura . NeRRaDa . Jiri Tibor Novak . Jurgen O.Olbrich . Benedict Phillips . Point d’Ironie . Ross Priddle . Bernd Reichert . Claudio Romeo . Gianni Simone . Glen Smith . Zoe Snyder . Pete Spence . Angela Stadthaus .State Of Being . Carol Stetser . Sticker Dude . Giovanni Strada . Sue Vallance . Cornelis Vleeskens . Anthony Woodward and Jennifer Zoellner.

2010-05-13T01:05:00.002+02:00

Wipe #58

2010-05-01T16:03:00.013+02:00

Argentina: Samuel Montalvetti · Australia: David Dellafiora . neRRaDa · Belgium: Miche-Art-Universalis · Canada: Dewi · France: Denis Charmot . Pascal Lenoir · Germany: Dirk Frohlich . Uli Grohmann . Karl-Friedrich Hacker . Mikula Lollwitz · Italy: Vittore Baroni . Duccio Dogheria . Giovanni Strada · Netherlands: Magda Lagerwerf · Spain: Javier F.Granda . Miguel Jimenez · UK: Helen Allsebrook · U.S.A.: John M.Bennett . Laura Dunn .

Wipe #57

2010-03-16T17:00:00.015+01:00

Argentina: Samuel Montalvetti . Sol Pedrosa • Australia: Ian Scarlett • Belgium: Miche-Art-Universalis • Canada: Diane Bertrand • France: Denis Charmot • Germany: Dirk Frohlich . Uli Grohmann . Karl-Friedrich Hacker • Italy: Vittore Baroni . Giovanni Strada • Japan: Kiyoshi Handa • Nederlands: Piet Franzen . Atelier Kunst & Ko • Spain: Javier F. Granda . Miguel Jimenez • Sweden: Henry Denander • UK: Okadascat • USA: John M. Bennett . Laura Dunn .

'Be My Tuba in the Sky' by Javier F Granda

2009-12-21T19:30:00.002+01:00

“Evocaciones de paisajes asturianos”

2009-12-18T07:30:00.006+01:00

Galería Dasto, Oviedo. c/ San Bernabé, 15. Oviedo.

Con el título “Evocaciones de paisajes asturianos” se ha presentado al público en la Galería Dasto de Oviedo la carpeta de grabados que por iniciativa de Fermín Santos (Editorial Pata Negra) reúne a los artistas José Carlos Alvarez Cabrero, Breza Cecchini, Mario Cervero, Beatriz Corredoira, Marian Fernández Seiz, José Paredes, Josán López de Pariza, César Ripoll, Estrella Sánchez y al propio Santos.

Los diez grabados calcográficos que conforman la carpeta se muestran en Dasto al lado de otros tantos originales realizados por los autores para la exposición.

Esta carpeta ve la luz en un momento delicado en Asturias respecto a la diversidad de asuntos que atañen a nuestro paisaje. En nuestra introducción a la obra esbozamos qué se puede entender por paisaje y sobre la complejidad de las posibles observaciones citando a Denis Cosgrove1, que nos indica que “el estudio geográfico hoy en día abarca variadas expresiones de espacio relativo definidas por coordenadas de experiencia e intención humanas culturalmente diversas”, destacando que “la vista humana es individualmente deliberada y está culturalmente condicionada”. Debe tenerse presente que la idea de paisaje se debe en buena medida al filtro cultural de cada observador. También tomamos la definición de Federico López Silvestre respecto al paisaje como “cierta extensión de terreno que adquiere unidad e independencia gracias a la mirada de alguien capaz de valorarlo en sí mismo”2.

Confiábamos en el momento de emitir nuestras afirmaciones en el texto introductorio de la carpeta, en que la sociedad había ido tomando conciencia de la importancia del paisaje, lo cuál habría provocado la gestación de nuevas sensibilidades en el ámbito de las instituciones que defienden las relaciones entre el paisaje y la formación de la cultura y la consolidación de la identidad. Citábamos esto a propósito del Convenio Europeo del Paisaje (Florencia, 2000) ratificado por España en 2007 y advertimos que no debía perderse de vista lo apuntado por el artista Perejaume cuando hablaba de que el termino paisaje está manipulado e intervenido semánticamente del mismo modo que se ha manipulado el territorio urbanísticamente3.

A tenor del panorama que campea por doquier, deberíamos quitarnos el velo de los ojos. Constantemente trascienden noticias sobre importantes atentados contra el paisaje, a cambio de lo que muchos pueden empeñarse en defender como “desarrollo”, “sostenibilidad” y otras variantes, véase por ejemplo el caso Carondio en Allande, donde elementos de la importancia de un camino prehistórico, 34 túmulos funerarios, un campamento romano, asentamientos humanos y un espacio natural e histórico de una importancia incontestable corren el peligro de la más absurda destrucción a consecuencia de una fiebre eólica (parques eólicos) que nos invade sin más argumento que el puro y duro capital.

El papel de celulosa que empleamos habitualmente lo soporta todo. Soporta leyes de patrimonio histórico, convenios internacionales sobre paisaje, decretos que regulan la protección de espacios de interés paisajístico, pero todos estos papeles tienen la particularidad de no servir para nada.

Algo muy distinto ocurre en la carpeta “Evocaciones de Paisajes Asturianos” que pretende mostrarnos un apunte del paisaje a través de diez artistas contemporáneos, empleando un formato único que se ciñe a la estampa calcográfica “sobre papel”. Con ese punto de origen se emprende un recorrido que reclama del artista un ejercicio intuitivo pero también consciente para concretar su propia experiencia sensible del espacio.

Creemos que los participantes, reunidos por el editor Fermín Santos, se han prestado a un esfuerzo de análisis y de síntesis que se traduce en estampas de notable belleza. Los ejemplos sugieren múltiples perspectivas de observación, desde aquellas que rastrean el horizonte de los elementos inanimados, a las que aluden a los componentes más dinámicos y mudables que podemos observar en nuestro entorno como consecuencia de la actividad ejercida por el hombre, o bien aquellos que subrayan la intencionalidad que configura la mirada. Todo ello da lugar a una propuesta diversa donde apreciamos que el artista implementa sus relaciones en un medio vivo, dinámico y susceptible de transformación.

José Carlos Alvarez Cabrero nos acerca a la experiencia del viaje y a la inmersión del viajero en el paisaje. Su acostumbrada ironía nos sitúa en las coordenadas de la crítica hacia los efectos de un desarrollo imparable, destacando la proliferación de obra pública y las ciclópeas infraestructuras modernas que transforman el entorno natural a cambio de una irreversible propagación del modelo económico. El observador del paisaje lo hace bajo el efecto de la velocidad, que se configura como motor de las transformaciones que provienen de los pulsos de la economía.

Breza Cecchini nos muestra el refugio del hombre y la nostalgia del entorno natural como referente de la escala humana en busca de una sintonía plena con la Naturaleza.

Mario Cervero encuadra su panorámica entre el mar y la montaña, apoyado en plegamientos caprichosos y vibrantes accidentes topográficos bajo una sugestiva atmósfera, lo que da lugar a una obra en la que se citan los elementos y su equilibrio con destacada lucidez.

El ejercicio de abstracción de Beatriz Corredoira nos remite a la Naturaleza por medio del color, empleando un marco difuso y de contenidas interferencias que nos coartan de emprender una lectura a la luz de las claves visuales cotidianas para proponernos una geografía personal, mostrando el sedimento de una Naturaleza que experimenta su metamorfosis en lo profundo del artista.

Con “Asturias… salvaje, misteriosa, sencilla, acogedora, bella... y nostálgica” Marian Fernández Seiz nos transporta a un idílico horizonte naif de tiernas reminiscencias, donde el árbol ocupa los vacíos de una suave orografía, para hablarnos de un paisaje sereno y construido en base a un orden sensorial meditado.

“Presente y pasado”, de José Paredes, se construye con una inconfundible figuración filiforme, dando lugar a un escenario electrizante y saturado donde las figuras estilizadas se entremezclan en un espacio que encierra las claves del tiempo. La mutación de la línea nos refiere un poderoso componente sensorial en constante transformación.

Josán López de Pariza nos sitúa ante una formación vegetal, que podemos intuir como la percepción fugaz del observador. Se detiene el artista en el tratamiento de la masa vegetal, del árbol como elemento del paisaje, pero destacando la celeridad, la prisa de la mirada y también la fugacidad del medio, del breve instante de las cosas.

César Ripoll se recrea en la silueta de la Sierra de Santianes, en las cercanías de la Sierra del Sueve, destacando la singularidad y majestuosidad de un enclave montañoso a escasos metros del mar.

Estrella Sánchez destaca la desmedida capacidad técnica de nuestra sociedad y su poder para modificar los entornos naturales desde una visión crítica de enorme expresividad y de gran belleza. La capacidad destructiva del hombre como productor de enormes cantidades de residuos y sustancias químicas, a la vez que demanda mayor cantidad de materias primas para el desarrollo de la economía, provoca que nuestro hábitat se convierta en un medio de constates desajustes, donde notamos la presencia de espacios alterados y degradados que conviven con entornos naturales de extraordinaria fuerza.

Finalmente, Fermín Santos se detiene en el misterio del nocturno en la Montaña Central, con la representación de un asentamiento humano bajo la luz artificial que para siempre ha transformado la percepción de la noche.

Los diez artistas citados nos entregan una carpeta que, sin duda, invita a la reflexión sobre la identidad y la diversidad, así como a la observación participativa y al reconocimiento del paisaje como elemento fundamental del entorno humano. Nuestra relación con el paisaje transmite nuestra dimensión humana. Sólo cabe esperar que el paisaje de Asturias no se reduzca a un horizonte de aerogeneradores.

Javier F. Granda

1 COSGROVE, Denis. “Observando la naturaleza: el paisaje y el sentido europeo de la vista”, Boletín de la Asociación de Geógrafos Españoles. N.º 34 – 2002, págs. 63-89.

2 LÓPEZ SILVESTRE, Federico. “Por unha filosofía nómade da paisaxe”. En “Paseantes, Viaxeiros e Paisaxes”. Santiago de Compostela. 2007, págs. 17-21.

3 Entrevista para Descubrir el Arte. Año XI, Nº 127. Madrid. 2009, págs. 110-112.

Publicado en Ajimez Arte, 18-12-09.

Wipe #56

2009-12-07T14:16:00.013+01:00

Argentina: Samuel Montalvetti · Australia: David Dellafiora . Pat Eagles . neRRaDa . Ingrid Petterson . Debbie Rowe · Belgium: Saartje Stiers . Miche-Art-Universalis · Canada: Diane Bertrand . Snappy · France: Denis Charmot · Germany: Dirk Frohlich . Uli Grohmann . Eberhard Janke · Italy: Vittore Baroni . Giovanni Strada · Spain: Javier F. Granda . Miguel Jimenez · USA: John M. Bennett . Laura Dunn .

20 years since the Fall of the Wall.

2009-11-10T13:22:00.004+01:00

Prenzlauer Berg Museum

Prenzlauer Allee 227-22810405 Berlin

from 21 November 2009 to 7 February 2010

opening exhibition on 20 November at 7 pm.

KART #16

2009-11-06T17:56:00.010+01:00

Argentina: Samuel Montalvetti . Australia: Lewis Heathcote • Jiri Tibor Novak Meredith Riddell • Ian Scarlett • Gayle Sherlock • Sam Whittaker • Penny Williams . Germany: Dirk Fröhlich • Eberhard Janke . Italy: Vittore Baroni • Ruggero Maggi . Spain: Javier F. Granda . UK: Mark Greenfield . USA: John M. Bennett.

Dormino-Benagli, scultura a quattro mani.

2009-10-19T18:41:00.005+02:00

Desde el pasado 3 de octubre hasta el 17, Salas ha tenido en sus calles a dos artistas muy especiales: Davide Orlandi Dormino y Marco Benagli. El primero nacido en Udine y residente en Roma y el segundo de origen romano pero nómada incorregible, aunque nos ha confesado que quiere, poco a poco, aminorar el impulso que le hace embarcarse en su casa flotante, de un lado a otro del océano, con el propósito de echar raíces en la Toscana. Junto a ellos han trabajado en Salas artistas de otras nacionalidades como Kristaps Gulbis (Letonia), Maxim Dumitras (Rumania) y Tiiu Kirsipuu (Estonia) en el marco de la quinta edición de La Escultura en Norte. La experiencia en esta ocasión ha sido entrañable y, con seguridad permanecerá en la memoria de aquellos que han tenido la fortuna de entrar en contacto con los artistas.
El motivo por el cuál destaco a Dormino y Benagli se debe en buena medida a que he visto una energía vital y artística extraordinaria que me lleva a pensar que el flujo de su arte camina con ellos sin que el mismo quede reducido a la materialidad de la obra. Hoy nos queda en Salas el trabajo conjunto, a cuatro manos, de Dormino-Benagli en una obra que éste último ha denominado “Barca de la Memoria” y que quizás sea documentada como “Arca de la Cultura”. No obstante apuntar que esa embarcación artesanal de reminiscencias fenicias con su proa orientada a poniente y con la carga evocadora de una memoria/herencia cultural del pasado, se puede considerar un paradigma de intercambio de ideas tan vivo como necesario. El ejemplo lo han puesto de relevancia los propios artistas con su presencia a nivel de calle y con su desbordante empatía y derroche de altruismo. Ese flujo es lo que verdaderamente ha llenado las calles de Salas por espacio de dos semanas, de lo que podemos decir que hoy, sin su presencia, el vacío trasciende adquiriendo proporciones desconocidas.
Evitando expresarnos en términos de la “literatura especializada que pretende la interpretación de las artes plásticas” que citaba el poeta Antonio Gamoneda en sus comentarios sobre la obra de otro escultor, Amancio González, diremos que los elementos en los que se apoya la obra Dormino-Benagli nos refieren la presencia de profundas raíces que parten de los confines de un Mediterráneo antiguo para destacar, con fuerza renovada, la identidad e inmensidad de un legado cultural, así como los cauces por los que éste discurre. Pero a la vez que ese artesano de ribera de insospechados horizontes, tan libre como noble, que es Marco Benagli daba forma a su embarcación al lado de Davide Orlandi Dormino, moldeando la superficie cristalina del mármol blanco de Carrara, el aura de los artistas se propagaba en nuestras latitudes con poderoso magnetismo. Su presencia dotaba a la obra de una autenticidad sin fisuras y es por ello que no podremos ya hacer una lectura de la misma idéntica a cuando los artífices multiplicadores del mensaje contenido en esa barca, de nítidas referencias a la expansión e interacción de culturas, estaban entre nosotros.
Se puede afirmar que las vidas de estos dos artistas son puro y autentico Arte.

Javier F. Granda

Publicado en Ajimez Arte. Página de Arte Asturiano.

MailArt by Uli Grohmann.

2009-10-10T15:23:00.004+02:00

An amazing letter from a great artist has arrived to this shore. It’s a pretty envelope from Uli Grohmann with thousand of letters and a message: “There was so much left to tell you”. Inside, there is a self-portrait and on the reverse, the legend about War Economy. The fly is present too, of course. Thank you so much, Uli.

Wipe #55

2009-09-10T18:37:00.011+02:00

Wipe is an ongoing project, no deadline. This issue: Argentina: Samuel Montalvetti • Australia: David Dellafiora . Rachel Hine . neRRaDa . Ian Scarlett • Belgium: Miche-Art-Universalis • Canada: Diane Bertrand • Denmark: Marina Salmaso • France: Denis Charmot • Germany: Uli Grohmann • Italy: Silvano Pertone . Giovanni Strada • Spain: Javier F. Granda . Miguel Jimenez • UK: Adam Garratt . Okadascat • USA: John M. Bennett . Laura Duna . Suzen Raven . La Vona Sherarts.

"lengua" x Gala Gonzalez.

2009-08-28T00:00:00.000+02:00

Gala González, con su nombre de musa caleidoscópica, nos seduce con “lengua”, a saber: una de las partes del cuerpo que más le llama la atención. Su trabajo se desarrolla en la ciudad de Vigo y allí ha creado éste fanzine que según Manu Griñón (jerseys para los monos), su distribuidor, desciende directamente del fanzine, también gallego, “Pendona”.

El “lengua” es un exquisito y digestivo cúmulo de reflexiones que apunta hacia el corazón. Gala se afana por explicar la realidad y el sentido de las vivencias personales en las que podemos reconocernos; evocándolas y reproduciéndolas con pulcritud.

El #3 y la recopilación de los ejemplares anteriores que Gala ha puesto en mis manos me sirven para hacer una reflexión en cierta clave de humor sobre distintas experiencias (también las de índole sentimental) que la memoria devuelve al (h)ojear su propuesta.

La coherencia y sensibilidad son elementos que definen el tono de su trabajo: un discurso progresivo, ejercicio de reafirmación de lo cotidiano, donde Gala se apoya fundamentalmente en las frases cortas y precisas (con traducción al inglés en separata), mientras que en el dibujo lo hace con una línea negra delicada, en ocasiones coloreada o decorada con diferentes papelitos, texturas y transparencias.

El fanzine describe la senda de una experiencia vital que nos sugiere “el olor de la resina del arco para el violonchelo”; las princesas que duermen con joyas; la necesidad de un abrazo, más que un pepino; o la desternillante “you don’t know how to unzip a bra, baby!” que en conjunto nos sitúan ante identidades reconocibles; por ello es muy recomendable encontrarse con Gala en el camino. Un placer!!

Javier F. Granda

Mail Art "Vincent y yo”

2009-08-21T12:41:00.003+02:00

Enviar una intervención sobre una obra del artista Vincent Van Gogh, o una cita personal. Tamaño: 10 x 15 cm. Técnica: libre. Soporte: libre. Fecha límite: 31 octubre 2009. Se enviará catalogo electrónico. Enviar a: Bárbara Decouti. Hipócrates 4669C, Núcleo 12, 2ºP, DTO 7 (C.P. 2000) Rosario. Santa Fé-Argentina.

Mi imágen:

VII Premio Antonio Raymundo Ibáñez, Marqués de Sargadelos.

2009-08-16T16:34:00.003+02:00

La situación fronteriza de Los Oscos, entre Asturias y la Galicia lucense, la fala y los valores de su cultura siempre han sido motivo de interés para mí. Siempre quise vincularme de alguna manera a esa comarca y finalmente lo he conseguido desde el premio de relatos que lleva el nombre del Marqués de Sargadelos. En su VII convocatoria ha sido premiado uno de mis relatos “La extraña andanza de un marino bordelés” donde he tratado de forma ficticia el paradero de las riquezas de Antonio Raymundo Ibáñez tras su asesinato en la villa de Ribadeo en 1809. En la publicación de la VII edición aparecen también seleccionados otros dos relatos que he presentado a concurso: “Esto no es Manhattan” donde con clave humorística al estilo Woody Allen me detengo en la estancia de una joven escritora de costumbres algo exhibicionistas en la comarca de Los Oscos y, finalmente, “París, agosto 13, 1905” donde a través de una carta ficticia del pintor de origen oscense, Fermín Arango, me recreo en sus emociones de emigrante, viajero y artista, en los ambientes del París de principios de siglo XX.

El libro donde se recopilan los relatos es una maravilla editorial por el cuidado que se emplea en ello y os recomiendo, tanto su lectura, como la visita a Los Oscos.

Agradezco a José Luís Díaz Alvarez, Alexos, y a la Asociación de Amigos de D. Raymundo Ibáñez, Marqués de Sargadelos, la oportunidad de ver un sueño cumplido.

Wipe#54

2009-07-22T19:31:00.016+02:00

Argentina: Samuel Montalvetti · Australia: Julie Churchill . David Dellafiora · Belgium: Anke Van Den Berg . Miche-Art-Universalis · France: Denis Charmot · Germany: Angela Behrendt . Dirk Frohlich . Uli Grohmann · Italy: Vittore Baroni . Giovanni Strada · Mexico: Emilio Carrasco G. · Nederlands: Piet Franzen . Atelier Kunst & Ko · Spain: Javier F. Granda . Miguel Jimenez · Ukraina: Aleksandr Zhmailo · USA: John M. Bennett . Laura Dunn . David Stone.

Field Study es una plataforma Neo-Fluxus donde se realizan diferentes proyectos entre los que destacan publicaciones ensambladas como Field Report, WIPE, ReSite y KART. Estas publicaciones están en numerosas colecciones internacionales, como el MOMA, Tate Britain, Victoria & Albert Museum y Sackner Archive of Concrete & Visual Poetry.

El Hip Hop Graffiti y la domesticación institucional han asesinado al Graffiti. ¡Viva el Graffiti libre!

2009-07-10T00:37:00.001+02:00

Los medios de comunicación de nuestra comunidad recogen desde hace algún tiempo noticias acerca del fenómeno del Graffiti donde se pueden observar situaciones, cuanto menos, sorprendentes. Una de ellas nos la entregaba el diario La Nueva España bajo el título de “Covadonga 2008, en versión graffiti”. Con este titular se despachaba el lunes, 8 de septiembre de 2008, la información sobre el año santo y la oportunidad del graffiti para conmemorar la efeméride, lo cuál fue resuelto con la colaboración de la Iglesia, el Gobierno de Asturias y otras instituciones. No se trata de ningún error tipográfico, así las cosas, veamos qué hay detrás de todo esto, pues resulta necesario acotar ciertos matices.
El graffiti actual, para entendernos, no se trata de un arte en términos estrictos, sino de una expresión que pudiera englobarse en el Street Art, que irrumpe fuertemente en el último tercio del s. xx. El término Street Art abarca un conjunto de manifestaciones artísticas cuya temática lleva implícita, en buena medida, la lucha social, el contenido político y la protesta. La calle es precisamente el caldo de cultivo de donde emerge el graffiti en nuestra época contemporánea, como escenario extraordinario de comunicación a todos los niveles. Pero no podemos olvidar que siempre existen estrategias de control institucional para las iniciativas que surgen en este contexto. El graffiti ha jugado un importante papel al canalizar una parte de la acción protesta, de la demanda o de la inconformidad social, como potente vehículo contracultural, desafiando el poder dominante y escapándose a sus controles. De ahí, como bien apunta Figueroa Saavedra en su libro “Graphitfragen”, el deseo por parte de los poderes públicos de controlar la calle en todas sus dimensiones, ya que quien controla la calle, controla los individuos.
Existe una amplia opinión que sugiere que las manifestaciones de protesta se han ido reemplazando por otras que no reclaman ni dicen nada, lo cual ha forzado a preguntarse en qué se ha convertido el mensaje que encierra el graffiti. En mi opinión este mensaje estéril se debe a la propagación del Hip Hop Graffiti, pues no tengo ninguna duda de que el resto de expresiones de arte urbano están muy vivas y cargadas de formas y conceptos muy sugerentes.
Atendiendo a las clasificaciones “provisionales” en el ámbito del Street Art, podemos interpretar que la obra a que se refería la noticia se trataba de una expresión de la subcultura hip hop (versión astur). Como sabemos, el hip hop nace en las calles neoyorquinas a finales de los años sesenta del pasado siglo, de un sustrato latino y afroamericano asentado en barrios como Bronx o Brooklyn, los cuales toman el graffiti para expresar aquellas cuestiones que no se expresan con el baile o la música y como un medio más de reafirmar la identidad cultural. La pervivencia hasta nuestros días de la subcultura hip hop puede explicarse en términos de flujos de la aldea global o cultura global en la que se han visto proyectados y son fácilmente criticables si no existe un verdadero trasfondo que justifique su existencia más allá de tendencias repetitivas. Esto lleva implícito reconocer el éxito de propagación del hip hop, así como lo atractivo que haya podido ser el mensaje para resistir frente a nuevos y múltiples movimientos que han aparecido durante los últimos años.
No obstante cabe hacerse la pregunta de qué es lo que une a un chaval de Mieres, de Gijón o de Langreo, con un neoyorquino del Bronx para que, mientras uno (el neoyorquino) se desenvuelve en su urbe manejando códigos que surgen de una realidad social, el otro (asturiano) emule lo que ha conocido por la televisión o le ha llegado por distintos canales, pero sin vivir en primera persona la realidad social de donde emana la cultura que reproduce. En este caso sabemos que lo auténtico ha de hallarse al otro lado del Atlántico y es allí donde debemos analizar la situación original, y lo que ocurre en Asturias, respecto de las emulaciones, no deja de ser un ejercicio sin ningún atractivo o coherencia digna de resaltar, más allá de cuantificar la mutación.
A esto se une que la única reivindicación del grafitero hip hop astur, a tenor de los pronunciamientos públicos que podemos leer en prensa y de los programas culturales que han salido al paso de sus reivindicaciones, es la de saberse reconocido social e institucionalmente y poder ganarse el sustento con sus pintadas. En esto encaja perfectamente el contubernio que citamos al principio, donde se refleja el discurso servil y opuesto a la naturaleza del graffiti por quienes no tienen una verdadera conciencia del horizonte de libertad que la expresión lleva implícita.
Javier Abarca, en Urbanario, al referirse a qué es en realidad el arte urbano, nos habla de “la publicación de infinidad de libros atiborrados de imágenes pero dramáticamente faltos de textos analíticos que pudieran servir para entender de qué estamos hablando en realidad”. En este sentido debemos destacar que en Asturias se repite la tendencia, al salir a la luz el pasado año 2008 la publicación “Contra la pared. Graffitis de Asturias” que se dedica a recopilar material fotográfico sin mayor contexto. No obstante, y en su favor, diremos que se recoge la opinión de los grafiteros que tiene mucho interés para explicar el fenómeno que aquí abordamos. En él hallamos la interpretación que hace el autor del “graffiti de Covadonga”, el cuál nos matiza textualmente: “si hacemos del graffiti un movimiento totalmente underground, cerrado, sí, está bien, es una parte más; lo que pasa es que no podrás llegar a las instituciones, y entonces no podrás atacar con otras armas. Hay que tener varias alternativas y un método de ataque, no ser simplemente un movimiento vandálico”.
No se entiende. Desconozco si el esgrimir las armas de la incoherencia o de la contradicción forma parte del mensaje hip hop, pues no tiene sentido que quienes quieren atacar el sistema, por mucha estrategia guerrilla que empleen en ello, traten de aprovecharse del mismo, bien reclamando el reconocimiento social e institucional por sus pintadas, bien tratando de crear escuela entre alumnos de talleres financiados con dinero público para que la expresión que cultivan arraigue entre ellos. Lo peor es que no sabemos exactamente qué tratan de enseñar con su ejemplo.
Respecto de las estrategias de control institucional, una vez más se han demostrado efectivas, dado que han canalizado las inquietudes de los individuos que “ensuciaban” hasta entonces las calles a cambio del tan ansiado reconocimiento, haciéndoles ver su utilidad por medio de talleres, festivales, premios, etc., para alimentándoles el ego, erradicar un problema y domesticar y tutelar la cuestión.
De ahí que me atreva a afirmar que el Hip Hop Graffiti haya sido neutralizado por las instituciones a cambio de un puñado de monedas, en un momento de indefinición y carencia de horizontes; lo cuál no ha de hacernos desesperar pues el verdadero arte de la calle está cada vez más vivo y con unas altas dosis de frescura y creatividad que ya le gustarían a éste pobre cautivo.
Javier F. Granda

Publicado originalmente en Ajimez Arte, 12-07-2009.

“When You’re Strange”. Una película sobre The Doors.

2009-07-07T00:53:00.002+02:00

US Documentary Feature Films U.S.A., 2008, 90 mins., color & b/w.

Cuando en marzo de 1991 visitaba la tumba de James Douglas Morrison (1943-1971), ideólogo y voz de la banda americana The Doors, en el cementerio parisino de Père-Lachaise, contaba con muy pocas referencias acerca del estreno en ese mismo mes de la película “The Doors”, del polémico director Oliver Stone. La única pista sobre la película era el cassette con la banda sonora que había conseguido en una maravillosa tienda de la ciudad francesa de Angers y el detalle que más me había sorprendido sería la inclusión entre aquellas canciones del tema “Heroin” de los neoyorquinos The Velvet Underground, prolongación musical, como es sabido, de la Warhol’s Factory. Tiempo más tarde comprendí el mensaje que encerraba la banda sonora al incluir la canción y tomé conciencia de la controvertida tesis sobre la muerte de Jim Morrison que, afortunadamente, el director no se atrevería a incorporar en el metraje. Tras el estreno de la película en España, a finales de abril de 1991, aborrecí la libertad de interpretación y las distorsiones fraudulentas del director así como la provocación con la que había jugado buscando el lado morboso y comercial del ensayo. Aquél bodrio donde se reconstruían episodios “míticos” de la vida de Jim Morrison al frente de la banda The Doors, me noqueó fatalmente y sentí cómo habían atentado contra la idea que circulaba por mi mente acerca de la realidad de una banda que siempre había considerado “sublime”.La versión de Oliver Stone tuvo su éxito en la calle y fui un testigo asqueado del “fenómeno Jim Morrison”; un reguero de pólvora en expansión donde la memoria del artista quedaba pisoteada bajo la imagen de un inconsistente personaje drogadicto, borracho y camorrero interpretado por Val Kilmer, que hizo furor entre los adolescentes de éste país. Considero que la película ayudó bastante a desestabilizar la realidad histórica de lo que había significado The Doors en la cultura del momento, provocado por el gran desconocimiento del espectador respecto de las fuentes fidedignas, que unido a la capacidad de seducción que la película tuvo entre determinados sectores de edad, hicieron un daño importante a la memoria de la banda, y especialmente a la de Morrison. Nadie se había detenido en la valoración del individuo, del ser humano, del poeta o del hombre de acción que James Douglas Morrison había sido hasta su fallecimiento a la edad de veintisiete años.Bien es verdad que durante la década de los ochenta, tras la disolución del grupo en 1973, la música de The Doors había acusado cierto olvido, siendo de culto exclusivo en círculos que seguían tendencias muy definidas en el panorama musical heredero de la contracultura. Pero es a partir de 1991 cuando The Doors resurge del “letargo” en el que quedaron sumidos tras la muerte de su frontman, veinte años atrás, a la par que crecía el mito. Afortunadamente tuvieron tiempo a disipar gradualmente la sombra con la que Oliver Stone había cegado su horizonte, no sin enfrentarse a la triste realidad de una lectura, tan desafortunada como errónea, que éste había manejado en su película. Ayudados por las sinergias de unos acontecimientos contradictorios, el grupo regresa a lo más alto del panorama musical internacional aprovechando el empuje de la reedición discográfica en nuevos soportes (CD), así como con la publicación de grabaciones en directo que nos trasladan una atmósfera nueva y desconocida (“In Concert”) con inéditos que estaban en manos de Bright Midnight Archives, un sello de The Doors Music Company, en una serie de conciertos que verían la luz en álbumes como “Bright Midnight: Live in America”; “Live at the Aquarius Theatre”, fijado en julio de 1969 en el Aquarius Theatre de Sunset Boulevard en Hollywood, al que complementa el “Backstage and Dangerous: The Private Rehearsal” u otros como “Live in Detroit”; “Live in Philadelphia ‘70” etc., hasta los más recientes “Live at the Matrix 1967”, de aparición en noviembre de 2008 y “Live in New York” de noviembre de 2009. Grabaciones que ayudan a comprender la verdadera dimensión de la banda en vivo, en parte conocido por minorías a través de abundantes bootlegs que contenían verdaderas joyas, que nos trasportaban mucho más lejos que los clásicos en estudio, muy limitados en cuanto a los contundentes matices del directo que denotan la enérgica esencia del grupo. The Doors tuvieron una puesta en escena y una repercusión muy potente dada la realidad social norteamericana del momento (1965-1971); esto es indiscutible, no obstante los efectos de una lamentable película les habían encasillado entre un público fácilmente influenciable y habría que esperar a que se disipara de la memoria colectiva todo indicio contaminante para que las cosas volviesen a entenderse en su verdadera dimensión.La aparición de numerosas publicaciones en el mercado anglosajón a raíz de la muerte de Jim Morrison, infinitamente más escasas en nuestro país, habían provocado la proliferación de numerosos mitos, falsedades e incongruencias sobre el artista que afectaban al resto del grupo y es necesario citar hasta qué punto todo ello provocó que dos de sus miembros salieran al paso de tanta desinformación con la publicación de sus propias memorias. Primero vería la luz el libro "Riders On The Storm: My Life With Jim Morrison And The Doors”, en 1990, del batería John Densmore y años más tarde, en 1998, se publicaría “Light My Fire. My Life With The Doors” del teclista Ray Manzarek, tratando de poner en orden los episodios controvertidos de la realidad, a la luz de una autenticidad sin dobleces, sirviéndonos hoy de incuestionable referencia para el análisis de los acontecimientos. Las cosas han cambiado en los últimos quince años y nuestra sociedad, al calor de los nuevos medios de información, ha madurado y ha sabido formarse una capacidad crítica atendiendo a la diversidad de fuentes, lo cuál beneficia en toda interpretación que del fenómeno pueda hacerse.Es en estos momentos cuando le toca el turno al director de cine norteamericano Tom DiCillo, quien por encargo de Wolf Films/Strange Pictures, en asociación con Rhino Entertainment, acomete el documental “When You’re Strange”, que ve la luz por primera vez en el Sundance Film Festival, en Utah (EEUU), el 17 de enero de 2009 [http://www.whenyourestrangemovie.com/]. Ha sido presentado en Berlín, Londres, San Sebastián y un largo etcétera de festivales, con gran acogida de público y crítica. Actualmente se muestra en numerosas salas de EEUU.Durante los 90 minutos de metraje el espectador podrá ver, no sólo un retrato del icono Morrison en su más certera dimensión, a juzgar por la crítica especializada, sino el retrato propio de la banda y de la realidad norteamericana en un periodo de fuertes contradicciones y transformaciones sociales, de optimismo y rabia ante los acontecimientos que se estaban viviendo en el país. Para este cometido se han empleado imágenes originales grabadas entre 1966 y 1971 que pretenden distinguir entre lo real y lo mítico que acompaña a la banda desde su formación, con empleo de buenas dosis de material inédito. Es de destacar asimismo el empleo de fragmentos del proyecto cinematográfico inconcluso en 35mm denominado “HWY”, en el que James Douglas Morrison había trabajado junto con Babe Hill, Frank Lisciandro y Paul Ferrara, el cuál se distribuyó, con dudosa procedencia y no menos escasa calidad, durante años.El análisis contenido en el documental de DiCillo es un tributo a la música, a la individualidad y a toda una generación, haciendo valer la autenticidad para profundizar en la comprensión de una época y denotar su significación y proyección actual. “When You’re Strange” se confirma como la gran esperanza para los próximos tiempos, en cuanto a lectura objetiva de un momento crucial de la historia de la música contemporánea a través de una banda de indiscutible calidad, con todo el trasfondo social que encierra, configurándose, por ello, en un documento histórico de primera magnitud para valorar con acierto el precioso legado del conjunto formado por Manzarek, Krieger, Morrison y Densmore.La acogida de la cinta por parte de los protagonistas ha sido muy positiva, como lo ha sido entre personajes de la importancia de Jac Holzman, fundador de Elektra Records, quién había descubierto al grupo en el mítico Whisky A Go Go de Los Angeles. Para la parte documental DiCillo ha contado con la colaboración, entre muchos otros testigos originales, de la propia hermana de Morrison, Anne, y con Penny Courson, (madre de la que fuera compañera de Morrison, Pamela Courson, fallecida en 1974). La narración está a cargo del actor Johnny Depp, destacado por su carrera cinematográfica, pero también por su relación de amistad con el escritor y periodista Hunter S. Thompson.Todo hace pensar que las cenizas de la torpeza cometida por Oliver Stone quedarán finalmente apagadas ante esta flamante obra de Tom DiCillo, que con interés esperamos en su versión original, aún sin fecha en las salas de nuestro país.
Javier F. Granda

Wolfgang Petrick.

2009-06-28T21:13:00.011+02:00

En ocasiones un coleccionista no está seguro de las motivaciones que le llevan a elegir su obra...

Wolfgang Petrick by Karin Szekessy.

Maquetas de Juan Perro

2009-05-19T19:08:00.002+02:00

London

2009-05-14T10:51:00.028+02:00

A propósito de Carlos Álvarez Cabrero y del carácter narrativo de su obra.

2009-04-26T19:04:00.003+02:00

Javier F. Granda.

Artículo publicado en la revista Ajimez Arte. 26/4/2009.

El artista Álvarez Cabrero (Oviedo, 1967) ha provocado un resurgimiento en el panorama creativo asturiano al reunir expresión plástica y literaria, continuando un ejercicio que históricamente ha dado lugar a brillantes producciones y que, en su caso, podemos rastrear siguiendo los ejemplos que brevemente citaremos. Simultáneamente el discurso del artista ha buscado en el lenguaje cinematográfico un nuevo medio de ensayo y experimentación.
En abril de 1998 María Álvarez Morán, en el catálogo que el Museo de Bellas Artes de Asturias dedicó a la exposición de pinturas y grabados de Álvarez Cabrero, apuntaba con total coherencia que sus cuadros son “un desfile de influencias, pero el carácter especialmente narrativo de su obra, y de sus orígenes, parten del cómic” y añadía que “en su obra es muy importante el lenguaje de los objetos inanimados, que resultan textos de lenguaje tan efectivo como el de los protagonistas”. Esta afirmación supone un anticipo de lo que luego el artista habría de generar, una vez que decide compartir la poderosa capacidad de evocación de su obra con el escritor dispuesto a recrearse en ella, así como a canalizar sus inquietudes cinematográficas.
En 1999 se materializa la colaboración entre Cabrero y el poeta Pelayo Fueyo provocada por el editor Fermín Santos (Ed. Pata Negra), que les sugiere la participación en un proyecto denominado 20x20, aún en pie con notables intervenciones en la edición gráfica y poética asturiana. Del salto al vacío al que se lanzan ambos artistas nos queda la edición limitada (100 ejemplares) de un repertorio poético de Fueyo que aporta ocho poemas “dialogantes” con otros tantos aguafuertes de José Carlos Álvarez Cabrero, donde encontramos una rica exploración de los ambientes cotidianos e imaginarios de ambos artistas. William Burroughs dijo que cuando dos mentes colaboran, una tercera es creada…
El segundo de los ejemplos viene de la mano de Septem Ediciones en 2007, bajo el título “Mensajes de un mundo dibujado. 15 dibujos de Álvarez Cabrero ilustrados por 32 exploradores literarios”, donde se dan cita escritores muy diversos bajo la coordinación de Antonio Valle, para urdir un libro de relatos basado en las imágenes del artista. Valle destaca con acierto en el prólogo del libro que la de Cabrero es una obra repleta de sugerencias para la literatura y nos advierte de su clara intención comunicativa. En la publicación se reproducen quince ilustraciones, parte de las cuales habían sido ya recogidas en una hermosa tirada de quinientos ejemplares por Paloma Esteban Ciriza en “Cuaderno de Dibujo” (Oviedo, 2000).
Sólo un año más tarde de que Septem Ediciones sacase su libro al mercado, el testigo fue recogido de nuevo por Ed. Pata Negra para realizar una “Mitología Asturiana” muy especial que se construye sobre imágenes inéditas del artista. El resultado es una edición limitada (75 ejemplares) que incluye doce estampas originales y doce textos inéditos de escritores que nos trasladan una visión nueva e inquietante de unos personajes mitológicos transformados y llevados a una insólita y alucinante dimensión ideada por Cabrero. La obra es una cuidada carpeta donde se muestran imágenes y relatos que reinventan algo que en Asturias había sido manipulado hasta la saciedad: la mitología; aportando una nueva visión impactante por lo que tiene de apuesta novedosa, auténtica y trasgresora.
De este conjunto podemos extraer que el artista dispone de un imaginario con una enorme capacidad de evocación, que dirige la proyección de las escenas hacia el campo de la narrativa, donde se recrean y reinterpretan; despertando en el escritor una poderosa atracción. La expresión no se queda así en la superficie de la tela o del papel, sino que fluye en lo etéreo para ser recogida, multiplicada y fijada en forma de escritura. Pero también Cabrero nos aporta una narrativa que se apoya en una sólida trama, cuyo elemento dinámico y secuencial se ramifica hasta llegar al terreno de la imagen en movimiento. Véase en su corto de animación “Caracerdo” (1998) o en la posterior incursión del artista en el mundo del cine con “Los árboles del imperio” (2005) y “El enigma del ático izquierda” (2008) la búsqueda de una mayor expresividad, o al menos una nueva vía dinámica en la que dar forma a escenas que tienen su conexión con un repertorio ensayado previamente en la plástica y ahora manipulado con un nuevo lenguaje caleidoscópico. Lo mismo ocurre cuando observamos su necesidad por adentrarse en otra dimensión con los pictorelieves a los que ha dedicado una especial atención en los últimos años.
Cabrero cultiva lo figurativo y escénico, mostrando un enorme interés por la crítica social. Se sitúa y posiciona en las composiciones desde la caricaturización, empleando cierta estética pop y ayudándose de reminiscencias del cómic, para amplificar todo tipo de situaciones con un marcado carácter sarcástico e irónico. Su obra es inconfundible y manifiesta una decidida continuidad a lo largo de los años, mostrándose fiel a sus principios. No se trata solamente de un artista, sino también de un excelente artesano que trabaja la pintura, el dibujo, el grabado o el cine experimental, con marcada autoexigencia. No nos cabe duda de que Carlos es un perfeccionista meticuloso con su trabajo y que a su vez disfruta con la ramificación que el mismo experimenta en el subconsciente de otros creadores que lo interpretan.
El carácter de su obra no es intrascendente pese a que lo lúdico y lo irónico es puesto de manifiesto con diversas tonalidades. Sus extraordinarias composiciones nos sitúan en ambientes cargados de potentes detonantes que celebran una abierta crítica a la enorme variedad de personajes que conforman nuestra sociedad. Esa crítica tan necesaria y “extraña” a la vez, transformada en admiración, ha sido la que con seguridad ha movido al escritor a entablar con el aura del artista una relación consciente y fructífera, sabiéndose parte de la corriente que fluye de su mensaje.
Recordemos nuevamente las palabras de Alvarez Morán a propósito de la exposición de Cabrero en el Centro de Cultura Antiguo Instituto de Gijón, en 1997: “todos deseamos salir en las páginas de Carlos, aún a riesgo de no parecernos o ser parte del escenario de un increíble desfile de personajes extravagantes”. El deseo de formar parte de ésta galería se confirma en quienes han colaborado en los trabajos citados, como testigos admirados por la prolongación de su obra en una literatura con múltiples caras y propuestas, tantas como ventanas abiertas él ha sabido mostrarnos. Lo mismo cabe decir de la variedad de actores que han encarnado a los personajes de sus películas.
De tan diversas propuestas y colaboraciones debemos intuir un enorme respeto por un artista que no ha sido valorado en Asturias como se merece. La perversión que invade esta sociedad terriblemente manipulada y fragmentada por todas las instancias del poder, ha tratado de limitar su cauce expresivo, bien tratando de desplazarle en la muestra de pintura de la Junta General del Principado en 2003, bien mostrándose totalmente insensible a sus trabajos cinematográficos que nos evidencian una decidida apuesta por moldear un nuevo discurso sólo comprensible a la luz de una atmósfera sublime.
Todo esto, junto a su profunda independencia y autenticidad, sirve para que el artista se convierta en uno de los “malditos” de nuestro tiempo. Pero ha de ser un maldito, que como otros que le han precedido, no dejará de brillar con luz propia en el firmamento de los más notables.

"Remendar es Antisocial".

2009-04-13T21:20:00.003+02:00

Una nítida declaración de principios, o el Jardín de las Delicias de la Era Punka-billy.
Javier F. Granda
En el título de esta reseña aparece entrecomillado el nombre del fanzine editado por Manu Griñón (Luarca, 1981), que inicia su andadura a comienzos del año 2007 en Madrid, y se ocupará de canalizar, como veremos, parte de las inquietudes artísticas del autor.
Todo aquello que viene avalado por la denominación de fanzine rápidamente lo situamos en un contexto de reminiscencias contraculturales, que se presenta como alternativa a las tendencias predominantes y es puesto en circulación por grupos que organizan sus propios sistemas productivos así como sus canales de distribución. Afortunadamente esto ocurre aún en nuestros días y para nada deben considerarse éstas expresiones como subproductos, más bien al contrario, funcionan como mareas que arrojan a superficie detonantes enérgicos que repercuten en la cultura de masas.
En la calle podemos encontrarnos una gran variedad de propuestas y en ellas está presente la tendencia DIY [Do It Yourself] donde el artista/creador no sólo da forma a su obra, sino que interviene en todo el proceso posterior de edición y distribución. Es aquí donde encontramos la primera de las claves que se abre a este universo alternativo: el remiendo no existe en nuestra sociedad de consumo, de ahí la necesidad de un posicionamiento [Do It Yourself] que adopte otros estándares… La definición “antisocial” reitera el carácter de choque contra los valores establecidos por la sociedad en la que el creador sitúa su obra.
La propagación del mensaje contenido en el fanzine se hace en círculos muy definidos y generalmente reducidos, motivado por la propia tirada de la edición. No existe, creemos, un interés por la cuantificación de la obra puesta en la calle, sino más bien una preocupación por la expresión, el contenido y su proyección.
En el caso del trabajo de Manu Griñón, la elección del soporte nos remite en esencia a la apertura de un canal de expresión dirigido a un receptor especializado, sensible al mensaje, que se mueve dentro de los márgenes donde todo adquiere significado, provocando una retroalimentación que se propaga en lo colectivo, dando carácter al grupo. El “consumo” de la información no es masivo, como decimos, ya que los medios limitan y por ende el círculo se cierra con rapidez; pero en todo ello subyace la formación de una identidad inconformista y auténtica (carácter antisocial), que se ramifica en varias expresiones artísticas al tiempo, con un apoyo sustancial en la música. Para Manu Griñón, la música tiene un lugar preferente, ya que lo encontramos en las filas de la banda de post-punk/garaje “Montañas”… donde se fusionan una estética propia con un análisis crítico que se manifiesta en un posicionamiento o conducta justificada.
En mi opinión el trabajo de Manu Griñón rompe el corsé del fanzine para adentrarse en el terreno del libro/cuaderno de artista. El cuidado editorial conjuga la calidad formal con un contenido informativo/recreativo inconfundible. No se trata de una obra única, dados los fines de su reproductividad, pero es obra de un único creador, el cuál interviene en todo el proceso. Su formato es variable y no emplea iconos para su identificación más lejos de la propia personalidad que el artista le confiere.
El discurso se sustenta en su totalidad sobre el dibujo, aderezado en muy contadas ocasiones con breves textos en los que se apoya el mensaje. Emplea materiales (papel de estraza, reciclado, cartón, acetatos de distintos colores o transparencias) que armonizan magistralmente continente y contenido y juega con su experimentación aportando resultados tan interesantes como diversos.
Hasta la fecha existen cinco números de "Remendar es Antisocial", el último data de mayo/junio de 2008 y está a punto de salir a la calle el número 6. El precio de la publicación es meramente testimonial (1 €, a excepción del #5 que tiene un precio de 2 €) lo que conlleva con seguridad asumir unos costes de producción bastante más elevados que los beneficios generados por la venta de ejemplares. El artista/editor sale del perímetro de un sistema donde el capital lleva las riendas, con un posicionamiento de resistencia a la contra. Se invierten los dominios que imponen las leyes del mercado en toda expresión creativa contemporánea, lo cuál nos hace pensar en un altruismo sin parangón que conecta con las prácticas artísticas más autenticas.
El contenido es una eclosión de energía y lucidez visionaria modelada por la poesía visual, el expresionismo, simbolismo, las recreaciones oníricas o las caricaturas, que nos sitúan ante las puertas de un pensamiento libre que emprende la crítica del sistema desde la independencia, con preocupación por las mutaciones y el mimetismo del mundo actual, la crisis medioambiental en la sociedad tecnológica, con apuntes sobre la realidad e innumerables metáforas en ebullición que erigen al autor en gurú de un presente múltiple y con una mirada escéptica del porvenir.
Manu Griñón hace una breve introducción de sus cuadernos cuando los presenta en sociedad desde su blog “jerseys para los monos” [jerseysparalosmonos.blogspot.com] que funciona de distribuidora del fanzine. Allí se refiere a “las contradicciones del libre mercado” que se incluyen en el #1 junto a “televisores que no funcionan”, “forzudos ridículos” o “deliciosos helados de mierda”. En el #2 nos topamos, entre otras muchas cosas, con “comunistas de invierno”, “niños a los que se les cruzan las matemáticas”, o “seres malignos jugando a la consola”. En el #3 (especial animales), Manu Griñón nos presenta un divertido bestiario donde observamos “gallos cowboys”, “perros mutantes”, “osos moteros”, “camaleones raperos” o “jirafas preparadas para el frío invierno”. Con el #4 entramos en la dimensión de los “manifestantes con contradicciones”, de “mentes cuadriculadas” y “manos arrugadas”; para finalizar en el #5 con “dentaduras de Drácula”, “equilibrios imposibles”, “gentes peludas” y un montón de cosas más… Todo ello representado por el trazo elegante y convincente del artista que se adhiere a un lápiz de descargas electrizantes que nos invaden con extrañas sensaciones y mensajes que circulan en múltiples direcciones.
Mi impresión al observar los cuadernos de Manu Griñón, es la de encontrarme ante un nuevo Jardín de las Delicias en la era de la electricidad, y más concretamente envuelto en una absorbente estela punk. La galería de retratos, el bestiario, o la inquietud que emana de determinadas imágenes, junto con un tratamiento críptico del mensaje, nos lleva a situarnos ante una construcción sucesiva de escenas que componen un nuevo Jardín del Edén y un Infierno donde se dan cita los contrastes y contradicciones de nuestro tiempo.
A través de las páginas de “Remendar es Antisocial” seremos guiados por un sendero vibrante que proviene de un genuino ambiente underground; caldo de cultivo que tantos buenos ejemplos ha entregado al arte contemporáneo. De nosotros depende reconocer esas coordenadas en los trabajos de Manu Griñón, para extraer una lectura consciente de la realidad que encierran sus imágenes.

Reseña publicada en Ajimez Arte. 13/04/2009.

Remendar es Antisocial #1

Remendar es Antisocial #2 Remendar es Antisocial #3

Remendar es Antisocial #4

Remendar es Antisocial #5

L'hora del lector. tv3.cat

2009-04-13T11:01:00.004+02:00

Emili Manzano habla con los cantantes y compositores Santiago Auserón, Jaume Sisa y Kiko Veneno sobre la escritura de canciones...

Wild and lovely: Martha Wainwright

2009-03-23T00:33:00.000+01:00

On the road again.

2009-03-09T00:20:00.008+01:00

"Una mitología urbana y underground"

2009-02-17T11:42:00.004+01:00

Lne.es LA NUEVA QUINTANA. Martes 17 de febrero de 2009.

Una mitología urbana y underground

El artista Álvarez Cabrero y doce escritores actualizan los mitos asturianos en una iniciativa editorial que funde plástica y literatura.
J. C. GEA
La memoria juega pasadas curiosas. Incluso la colectiva. A Fermín Santos le sucedió hace unos meses en una librería de Madrid, cuando se topó en uno de sus estantes con una primorosa edición sobre mitología asturiana que desconocía hasta ese momento. Eran representaciones de trece seres fabulosos sacados del fondo oscuro que ha poblado el imaginario popular asturiano desde el alba de los tiempos, pero ataviados con trajes de época. Al hojear el libro, algo se le removió dentro al artista, grabador y editor asturiano, que no pudo evitar preguntarse qué había hecho la modernización de su territorio con xanas, busgosos, güestias y cuélebres, ni plantearse dónde estarían ahora o cuál sería hoy su aspecto. No se iba a quedar con las ganas. Pero no iba a ser él quien se respondiese. Echando mano de sus prerrogativas como director de la editorial Pata Negra -una ya veterana y arriesgada iniciativa que funde arte y literatura en cuidadas ediciones de grabado- se puso en contacto con el artista ovetense José Carlos Álvarez Cabrero y le hizo un encargo. Uno de ésos que siempre cogen a contrapié.
«Quiero que hagamos una carpeta sobre mitología asturiana. Pero no quiero la imagen típica, sino con tu visión propia. Algo moderno y callejero», le dijo Santos a Álvarez Cabrero, según recuerda el pintor, grabador e ilustrador, cuyo imaginario urbano, satírico y «underground» es el más alejado del mundo rural, pancéltico y silvestre que pueda imaginarse. Pero, por lo visto, según Fermín Santos, no tanto como para no salvar esa distancia. Al fin y al cabo, la literatura y la historia del arte demuestran que los mitos son arquetipos y estructuras con una singular capacidad para cambiar de apariencia y envoltorio adaptándose a los tiempos y manteniendo, sin embargo, intacta su ambigua sustancia. La muerte, la lujuria, la enfermedad o lo animal que sigue encerrado en el hombre siguen siendo los mismos de siempre en las ciudades del XXI. ¿Por qué los patrones que representan todo eso no iban a serlo?
Fuera o no con estas razones, Santos persuadió a Álvarez Cabrero y el artista aceptó el reto. «La verdad es que son temas que nunca me han interesado, pero me lo tomé como un encargo distinto a todo lo que he hecho hasta ahora. Fermín me pasó unos textos sobre el tema, pero no encontré descripciones físicas, sólo referencias muy vagas y muy relativas», cuenta Álvarez Cabrero, que se acogió justamente a esa libertad para trasladar al aguafuerte, aguatinta y aerógrafo a doce de los personajes más emblemáticos del panteón asturiano a un presente cutre, desquiciado y tan desolador y socarronamente urbano como toda la obra del ovetense.
Así, el Nuberu aparece como una opresiva alegoría de «esos días» -dice el autor- en los que el cielo está pesado y te ahoga». O la Güestia deja de ser un desfile de almas en pena para encarnarse -es un decir- en esas otras almas en pena que hasta los ojos de caballo y adosadas a un tetrabrik de Don Simón recorren los parques de la ciudad. Para Álvarez Cabrero, el Malín, personificación mitológica de la enfermedad, brota de la boca de «un tío colgado de drogas y alcohol» que padece su colocón, y el Cuélebre ya no custodia a la Xana, sino que babea por ella, representada como una sexual tipa de armas tomar. El Hombre Marín se asoma tras un pedreru como un mirón de playa, el Patarico siembra el pánico en el muro de San Lorenzo de Gijón y la Guaxa es una vieja que, ostentando su único diente, contempla a la vez que explica un accidente de tráfico. Respecto al Hombre Lobo o al Busgosu, se parecen bastante al faltón boceras que gallea ante las mozas en la discoteca o canta sus hazañas venéreas en la barra del chigre.
Como en la mayor parte de aventuras de Pata Negra, el artista no ha estado solo. Fermín Santos ha sumado a esta reforma contemporánea de la mitología asturiana a doce escritores y escritoras de la tierra: Pablo Álvarez, Inés Toledo, Ana Vega, David S. G., Javier F. Granda, José Luis Piquero, Néstor Villazón, Elisa Torreira, Alejandra Sirvent, Fátima Fernández Méndez, Herme G. Donis y Pelayo Fueyo, que han puesto su parte para esta nueva fijación del imaginario de los asturianos mitológicos. En todos los casos -salvo en el de Granda, que ya había adaptado su visión del aquelarre a una fiesta de Comadres con sesión de boys-, los autores han trabajado sobre las imágenes de Álvarez Cabrero.
El resultado de la refundación urbana de este catálogo de seres fabulosos se ha plasmado en una cuidada edición que está a la venta desde la pasada semana: un estuche-libro de artista, 75 ejemplares numerados y firmados de las doce estampas originales y los textos. O bien, la caja donde se han colado de nuevo unos vecinos escurridizos y caros de ver, pero que se resisten a dejar del todo su tierra.

Han pasado quince años...

2009-02-02T07:00:00.003+01:00

... y aún recuerdo tus últimas palabras al amanecer, antes de que el viento te llevase para siempre. No te olvidaré.

Te quiero hermano.

John Lennon. Liverpool 1940 - New York 1980.

2009-01-27T14:05:00.006+01:00

Karin Szekessy. Galería de retratos.

2009-01-27T13:55:00.009+01:00

Jan Voss

Wolfgang Petrick

Arnold Leissler

Jens Lausen

Uwe Bremer - Mappe "Der Mensch"

2009-01-23T09:38:00.013+01:00

Uwe Bremer (Bischleben - Erfurt, 1940). Photos by Kunstkontor Rampoldt (Berlin).

Uwe Bremer

2009-01-23T09:14:00.012+01:00

Uwe Bremer (Bischleben - Erfurt, 1940). Photos by Kunstkontor Rampoldt (Berlin).

Pamela Courson.

2009-01-14T11:02:00.003+01:00

Kin-shop.co.uk

2009-01-11T17:58:00.008+01:00

KIN es una sorprendente galería atestada de obra grafica en el corazón londinense de Carnaby Street. Se puede visitar en Kingly Court y el tío que la atiende es una joya; creo que su nombre es Rick Blackshaw. Me he llevado unas piezas de Danny Sangra y Sam Green para paladares exquisitos. Algunas fotos de muestra…

He visitado la galería recientemente (mayo 2009) y se había trasladado. Parece que en Carnaby Street solo tienen éxito las tiendas de ropa...

NY. Empire State Building under construction. 1931

2008-12-11T17:37:00.005+01:00

Roma by Félix Benoist del. & Eug. Ciceri lith.

2008-12-09T23:57:00.013+01:00

Félix Benoist del. & Eug. Ciceri lith. Nantes, lith Charpentier. Edit-Paris, quai des Augustins, 55.

2008-12-08T02:32:00.002+01:00

The Doors discography. An incredible research from Germany. Many thanks to jimlizardking.de

Joseph Beuys' signature

2008-12-07T21:49:00.004+01:00

Edgar Allan Poe. "The Mask Of The Red Death", illustrated by Federico Castellón.

2008-12-02T09:54:00.011+01:00

Digital Girly by Natacha Merritt.

2008-11-23T01:20:00.015+01:00

Natacha Merritt Online Visual Archive. Erotic Photography. http://www.digitalgirly.com/

Coque Malla. Sala Siroco [Madrid]

2008-11-17T16:29:00.020+01:00

Sala Siroco [Madrid] Miércoles 12 Noviembre 2008.
Primer concierto presentación del disco que pronto estará en la calle.

El tercero de Coque Malla. www.rtve.es. "Asuntos Propios". 18-11-2008

Utagawa Kunisada

2008-11-16T22:05:00.014+01:00

I'm so happy with my brand new & originals Utagawa Kunisada's Samurais Okubi-e. The woodblock prints are from the year of the Tiger [1854]. If you search for information about his life in wikipedia you can read something like this:

Utagawa Kunisada (1786 - 1865) (Japanese: 歌川国貞, also known as Utagawa Toyokuni III 三代歌川豊国) was the most popular, prolific and financially successful designer of ukiyo-e woodblock prints in 19th-century Japan. In his own time, his reputation far exceeded that of his contemporaries, Hokusai, Hiroshige and Kuniyoshi.

Although not much is known of the details of Kunisada’s life, there do exist some well-established facts. He was born 1786 in Honjo, an eastern district of Edo. His given name was Sumida Shōgorō IX (角田庄五朗), and was also called Sumida Shōzō (角田庄蔵). A small licensed and hereditary ferry-boat service belonged to his family, and the income derived from this business provided a certain basic financial security. His father, who was an amateur poet of some renown, died in the year after his birth. While growing up as a half-orphan, it seems he developed an early talent for painting and drawing .

His early sketches at that time impressed Toyokuni, the great master of the Utagawa school and prominent designer of kabuki and actor-portrait prints. In the year 1800 or shortly thereafter Kunisada was accepted by Toyokuni I as an apprentice in his workshop. In keeping with a tradition of Japanese master-apprentice relations, he was then given the official artist name of “KUNI-sada”, the first character of which was derived from the second part of the name “Toyo-KUNI”.

His first known print dates to the year 1807, however this seems to have been an exceptional design, and further full-sized prints appear starting only in 1809 - 1810. However as of 1808 he had already begun work as an illustrator of ehon (woodblock print illustrated books) and his popularity was fast increasing. In 1809 he was referred to in contemporary sources as the “star attraction” of the Utagawa school, and soon thereafter was considered as at least equal to his teacher Toyokuni in the area of book illustration. Kunisada’s first actor portraits appeared in either 1808 or 1809. It is known that his first bijinga series and a series of pentaptychs showing city scenes of Edo, appear simultaneously in 1809. By 1813 he had risen as a “star” in the constellation of Edo’s artistic world (a contemporary list of the most important ukiyo-e artists places him in second place behind Toyokuni I) and until his death in early 1865, Kunisada remained one of the “trendsetters” of the Japanese woodblock print. Beginning around 1810 Kunisada used the studio name “Gototei”, which refers cryptically to his father’s ferry-boat business. Until 1842 this signature appeared on nearly all of his kabuki designs. Around 1825 the studio name “Kochoro” appeared, and was often used on prints not related to kabuki. This name was derived from a combination of the pseudonyms of master painter Hanabusa Itcho, and that of his successor Hanabusa Ikkei, with whom Kunisada had studied a new style of painting around 1824 - 1825. In 1844, he finally adopted the name of his master Toyokuni I, and for a brief time used the signature “Kunisada becoming Toyokuni II". Starting in 1844-1845, all of his prints are signed “Toyokuni” (partially with the addition of other studio names as prefixes, such as “Kochoro” and “Ichiyosai”). Although Kunisada referred to himself as “Toyokuni II”, he must be regarded, however, as “Toyokuni III”. The question is unsettled as to why he intentionally ignored the fact that Toyoshige (pupil and son-in-law of Toyokuni I) had borne the name “Toyokuni”, as legitimate head of the Utagawa school, from 1825 until his own death in 1835. The date of Kunisada's death was the 15th day of the 12th month of the First Year of Genji. Most sources erroneously report this as having been in the year 1864. In fact, this date in the Chinese/Japanese calendar corresponds to the date January 12, 1865, in our Western calendar. Kunisada died in the same neighborhood in which he had been born.

París o la fuerza del destino

2008-11-09T02:14:00.004+01:00

La imagen es sublime, no admite reparos. Tampoco es el momento de pronunciarse al respecto de la mierdecilla de película de Oliver Stone, y de lo que ha hecho para que Père-Lachaise hoy día parezca un jardín de infancia. Estoy convencido de que muy pocos saben por qué van a la "Division 6" y eso que son bastantes.
Quien me conozca puede estar tranquilo, tengo la fiebre bajo control, aunque no puedo dejar de llamar la atención sobre el preocupante número de indocumentados que andan sueltos, y no sólo por París. A poco que se remueva en la web aparece de todo y hay cosas lamentables.

La enésima conjura de los necios (el «caso Cabrero»)

2008-11-06T15:27:00.007+01:00

A continuación se reproduce una carta publicada el pasado martes 4 de noviembre en La Nueva España de Oviedo, que va suscrita por Íñigo Botas Armentia, a colación de lo que en sus propias palabras se denomina el «caso Cabrero». Me ha sorprendido por su contundencia. Tomo prestado el titulo de la misiva para la entrada y agradezco a A. Graña la información respecto de la misma.
La enésima conjura de los necios (el «caso Cabrero»).
Archidemostrada su potencia y personalidad como artista gráfico y plástico, Carlos Álvarez Cabrero lleva desde hace años empeñado e incluso empecinado en un cine con mayúsculas, interesantísimo, realizado de forma perso-artesanal y con unos resultados formidables.

Hete aquí, aquí en Asturias, nunca mejor dicho, que las películas de Carlos son ninguneadas por los estamentos de la culturina oficial (ésta con mayúscula). Las moderneces pijo-gafosas por una parte y la carcundia saenzdeherédica por otra parte se unen en un rechazo y desatención culpables al cine más potente (de lejos) que se está haciendo en esta comarca.

Es tal la soberbia emanante de estas cataplasmas y de quienes las detentan que desde una de ellas se sugirió al artista (mayúsculas de nuevo, que hay pocos) que se apuntase a un cursillo de los que ellos impartían (sic) para aprender a hacer cine.

Dijo y dejó escrito Godard, que es cualquier cosa menos tonto, que todo lo que hace falta para hacer una película se aprende en dos horas, con los medios de ahora, hora y media.

«Cuando un verdadero genio aparece en el mundo lo reconoceréis por este signo: todos los necios se conjuran contra él» (Jonathan Swift).

Íñigo Botas Armentia, guionista y realizador audiovisual (desde 1978), profesor de Realización Cinematográfica en la Universidad Camilo José Cela.

Madrid

Operación delicada para un varón adulto.

2008-11-05T21:28:00.003+01:00

Al despertar, Cécile revivió la tensión a la que había sido sometida ante aquél juez impertérrito que la escudriñaba con atención, mientras una chirriante voz en la sala replicaba con argumentos leguleyos, llamando la atención acerca de unos hechos surrealistas.
-Señoría, con la venia. La demandada, Mademoiselle Cécile Lariviere, en el día de los hechos se encontraba en la Brasserie Lipp, acompañada de una amiga, cuando sin mediar palabra se abalanzó sobre mi cliente, Monsieur Adrien Deneuve, quien padeció un tremendo shock al verse en los brazos de una desconocida que comenzaba a restregarse en sus rodillas. Mi cliente es un respetable hombre de negocios parisino y tales hechos, como se puede inferir, desprestigian su casta y ensucian ostensiblemente el honor de un buen francés. La demandada, visiblemente excitada, quiso abusar, sexualmente se entiende, de mi cliente en medio de tan augusto establecimiento, para asombro y sonrojo de la concurrencia.
-Continúe.
-La mano de la demandada, Señoría, y en esto queremos pedirle disculpas por lo gráfico del comentario, se introdujo en la bragueta de mi cliente con el ánimo de provocarle una erección. Propongo recuperar la grabación del circuito cerrado del local para que SSª pueda hacerse una idea certera de lo ocurrido.
-Se acepta.
-Gracias Señoría. Como quiera que mi cliente tratara en un primer momento de girarse hacia la barra para ocultar a la vista del público tales maniobras y disimular tan bochornosa escena, le fue imposible sacar de la abertura de su pantalón la mano de la demandada y en ese preciso instante entra en el local la esposa y socia de mi cliente, quien observa atónita la escena. Obvia decir que, a resultas de lo observado, la esposa de mi cliente le plantea una demanda de divorcio en toda regla. Pero continuamos con los hechos para no distraer nuestra atención y en aras de la brevedad, decíamos que la mano de la demandada se agarraba con fuerza en la entrepierna de mi violentado cliente y volveremos a excusar nuestro discurso gráfico que empleamos en términos de defensa. Consecuencia del forcejeo éste recibe un desgarro en su sexo al soltársele un punto de sutura de la intervención quirúrgica que le había sido practicada hacía tres días, dado que una desafortunada operación de fimosis en su infancia le provocaba permanentes molestias. El desgarro citado le provocó una tremenda hemorragia y un dolor punzante. Como es sobradamente conocido la operación se trata de intervenir sobre la estenosis del orificio prepucial que impide la retracción completa del prepucio para dejar el glande descubierto.
-Omita detalles, señor abogado.
-Ruego a SSª que se de por reproducido el informe médico que obra en Autos.
-Continúe.
-A resultas de la hemorragia, mi cliente sensible a la viscosidad de la sangre y aquejado por el dolor que tal desgarro le provoca, se desploma al suelo con tal infortunio que su rostro impacta contra el borde de una mesa cercana, lo que le produjo una severa contusión en el pómulo derecho que aún hoy se percibe. Asimismo los molares y caninos superiores del mismo lado fueron hallados por un camarero, que se ha citado como testigo, en el suelo del local, al intentar éste incorporar a mi cliente tras la caída.
-Tenga a bien resumir.
-Sí Señoría. Por todo lo explicitado hasta el momento, es justicia que pedimos se revisen los informes médicos y testimonios de los testigos y de seguido reiteramos la petición de una indemnización por daños físicos y morales que se establece en novecientos cincuenta mil cuatrocientos siete euros, con treinta y un céntimos so pena de ingreso en frenopático para la demandada, dados sus peligrosos instintos.
Cécile por su parte había declarado con una versión distinta de los hechos, los cuales se veían reafirmados por el testimonio de su amiga Cristine Billon, en el sentido de que aquella mañana reconoció en el Lipp a su amante Adrien Deneuve, al que hacía unas semanas no veía so excusa de un viaje de negocios a las Azores. Se acercó a Adrien con el cariño que solía acostumbrar y le dispensó el mismo saludo discreto que en ellos era habitual. A él le atraía el riesgo de un breve roce disimulado en su zona genital, y no era por tanto desatinado que Cécile le abordase de esa guisa. La situación se complicó cuando la esposa de Adrien se personó en el local, desencadenando el nerviosismo incontenible del amante, lo que le provocó una infortunada caída al intentar salvar la situación.

“Ferreirela de Baxo. Coordenada básica de la cultura oscense”.

2008-10-20T00:20:00.006+02:00

Hay días en que la Fortuna depara hallazgos irrepetibles. Uno de estos se materializó en la mañana del sábado 18 de octubre cuando traspasé la puerta de la Casa Natal del Marqués de Sargadelos en Ferreirela de Baxo (Santalla de Oscos). Allí, tras la puerta, nos recibía José Luís Díaz Alvarez, Alexos. A él tengo que agradecerle la mejor y más amena explicación que jamás he recibido puertas adentro de un museo, sobre los espacios y temas objeto de visita. Pero no sólo por esto, sino que a medida que nos introducíamos en la casa de Raymundo Ibáñez, cuyas referencias hacía años rondaban mi memoria, las explicaciones sobre los más diversos ámbitos culturales de la Comarca de Los Oscos, salían a borbotones ordenados pulcramente por su inteligencia.

Me impresionó tanto conocimiento y el modo de ofrecerlo amablemente al visitante curioso sin el más mínimo atisbo de arrogancia. En esto se parece Alexos a tantos oscenses con los que intercambié conversación, desde Busqueimado a Ferreira, pasando por Santalla. Solo espero que este caudal de conocimiento, traducido en el esfuerzo de José Luís por recopilar, estudiar y sacar a la luz cientos de datos sobre Los Oscos, no se pierda. Su memoria y sus notas han de guardar claves importantísimas sobre una comarca tan particular y hermosa como es la de Los Oscos. Su esfuerzo y el de la Asociación de Amigos de D. Raymundo Ibáñez, Marqués de Sargadelos, (tras dos horas supe que era su presidente) bien valen la dotación de un centro de estudios y documental sobre la comarca que sirva de referencia para todos los que, por uno u otro motivo, se acercan a ella con ansias de conocimiento.
Las iniciativas que pude conocer estos dos días en Santalla me parecen de una trascendencia crucial y sirven de ejemplo al resto de los municipios asturianos. Primeramente el descubrimiento del Premio de Relatos que lleva el nombre del Marqués de Sargadelos, me ha dejado impresionado por la concurrencia y calidad de las narraciones en todos los ámbitos del concurso. Destaco asimismo la calidad de la publicación y presentación de la misma; es todo un ejemplo y ya se ha convocado la séptima edición.
En segundo lugar las X Jornadas Antonio Raymundo Ibáñez “Ante el 200 aniversario de su muerte” que tendrán lugar los días 25 y 26 de octubre en Ferreirela de Baxo y que prevén una ruta Sargadeliana. Estas décimas jornadas se articulan en torno a la vida de Antonio Raymundo Ibáñez mediante conferencias, comunicaciones y coloquios.

Sería muy aconsejable que las jornadas quedasen retratadas en unas actas; no olvidemos que el contexto histórico de Raymundo Ibáñez es muy importante dado que vive en una etapa crucial en la Historia de España, y fallece debido a unos acontecimientos muy relevantes como son los relacionados con la Guerra de Independencia.
Con todo, amigo Alexos, no aporto nada nuevo a lo que tu ya sabes. Sí creo que es importante un centro de estudios (históricos, económicos, sociales, etc.) sobre Los Oscos, que no sea una entelequia como tantos que por ahí se promueven a bombo y platillo, sino que sirva de catalizador y dinamizador de la cultura de la comarca. Vuestra situación fronteriza, vuestra fala y valores, generan una cultura muy rica que debéis cuidar, profundizar en ella y potenciar. No tengo la menor duda de que vuestro mensaje es auténtico, como autentica es la acogida de los oscenses y un centro así en el territorio y tratándose de vosotros, tendría todo el éxito esperado.

Por otro lado, puedo asegurarte que los esfuerzos de vuestra asociación dan una lección enorme a tantas otras que proliferan como hongos sin un horizonte bien definido y por descontado nunca generarán un tejido social y cultural allí donde radican como el que vosotros construís con vuestras acertadas propuestas. Te agradezco todo lo que me has aportado en Ferreirela de Baxo y os deseo todo el éxito en esas iniciativas sobre las que trabajáis con tanto cariño e intensidad.

Mitología por Alvarez Cabrero.

2008-10-12T00:07:00.008+02:00

La imagen que abre esta nota se corresponde con un grabado incluido en la carpeta que Ediciones Pata Negra de Oviedo culmina estos días y que lleva por título “Mitología Asturiana por Alvarez Cabrero”. Esta es la estampa que me ha tocado en suerte y servido de motivo para la narración de un relato breve que se ha ceñido a la imagen y que he titulado “Aquelarre”. La carpeta se compone de doce estampas de Alvarez Cabrero y todas ellas se acompañan de relatos breves de doce escritores asturianos. He tenido el privilegio de tomar parte en este proyecto desde su gestación y en el mismo se ha perseguido mostrar un elenco importante de referentes mitológicos de Asturias desde una óptica radicalmente distinta a todo lo conocido hasta el momento. El resultado es increíble. Lo podéis ver el en blog de Ediciones Pata Negra.

Seguidamente se inserta un fragmento del relato que acompaña a la imagen:

AQUELARRE

A primera hora de la mañana el galeno de urgencias, pendiente de los resultados de la analítica toxicológica de Olivier, nos recompuso con retintín la historia que éste mascaba al despertar en la cama del hospital.
El paciente hablaba sin concierto de su tesis acerca de los procesos de la Inquisición relacionados con la brujería que dirigía la catedrática Marina de Otaola. Hablaba de Otaola fascinado; era su gurú en la investigación, y objeto de sus obstinados deseos. La tarde anterior recibió su llamada excusándose por no acudir a la reunión del departamento, tras lo cuál Olivier avisó a unos amigos para salir de tintos y ponerles al corriente de sus sorprendentes hallazgos en los Archivos de la Real Chancillería.
El recorrido por un par de bares les llevó a un viejo café destartalado y bohemio, situado en la zona antigua, donde pulieron las horas hasta bien entrada la madrugada. Olivier iba un punto cargado cuando descubrió en la penumbra del café a la directora de su tesis entre un grupo de mujeres que charlaban atropelladamente. Se apresuraba a poner en limpio un plan coherente para llamar su atención, cuando enmudeció al ver aquella piña de macizas dirigirse, cimbreando glúteos y caderas, hacia las escaleras del WC. (…)

Javier F. Granda.

Pink Floyd. "Live at Pompeii"

2008-10-10T00:36:00.002+02:00

Pink Floyd performing at the ruins of the ancient amphitheatre in Pompeii, Italy. Directed by Adrian Maben.
According to a lot of information on the web, the performances of "Echoes", "A Saucerful of Secrets", and "One of These Days" were filmed from October 4, 1971 to October 7, 1971. The remaining songs were filmed in a Paris studio, along with additional front projection footage for insertion into the Pompeii performances. The sequences in Paris were filmed in late 1971/early 1972, and can be distinguished by the absence of Rick Wright's beard.

Entire film by courtesy of moviesfoundonline.com

Siegfried Neuenhausen.

2008-09-21T12:26:00.015+02:00

Las seis primeras obras de Siegfried Neuenhausen (1931. Dormagen, Alemania) que podéis ver aquí están en mi colección de obra gráfica, las restantes son obras del autor que sirven en este caso para contextualizarlas. Todas las obras están comprendidas entre 1966 y 1975. El tema central del trabajo de Neuenhausen gira en torno al hombre, tanto en pintura como en escultura y suele encuadrarse en la tendencia "Kritischen Realismus" (Realismo Crítico) que se eleva sobre la “Figuración Narrativa” surgida en los años sesenta del pasado s. XX manifestando su visión crítica de la sociedad, haciendo valer los mecanismos del Pop Art.
Así encontramos al autor entre las filas de lo que se ha denominado “Nuevo Realismo” que coincide en parte con la “Figuración Narrativa”, traspasando las fronteras del Pop Art en búsqueda de una marcada crítica social y política. La “Figuración Narrativa” se ve impulsada tras los acontecimientos del Mayo Francés de 1968.
Es característico de esta tendencia la figuración concebida con un impactante carácter de reportaje y crónica de la realidad social. Entre las obras que he seleccionado de Neuenhausen para esta nota, se observa perfectamente el talante crítico que ratifica la contextualización de la que hablamos, si exceptuamos un par de ejemplos.

"Hurra! Schon wieder ein Krankenhaus in Hanoi getroffen" 1973. Serigrafie, handsigniert. 100 exemplare nummeriert. 70x50 cm. [Hurra! Again bombed a hospital in Hanoi!].

"State of liberty". Original graphic, 1972. Signed, numbered and dated by hand. Edition: 100.

Ohne Titel (große Figur hält kleine, serielle Figuren), 1969. Serigraphie in Schwarz und Grautönen/Karton. Auflage 100 exemplare signiert, numeriert und datiert; 54 x 41,3 auf 73 x 56 cm.

Interieur mit Autobatterie. 1972

"Brandt und Stoph sind froh ... " 1970. Farboffsetlithographie in Grautönen und Beige/Karton. Auflage 250 exemplare, signiert, numeriert und datiert; 41,2 x 58,5 auf 43,8 x 62 cm.

Kunst ist Klassenkunst. 1975.

Ohne Titel (6 Ansichten eines Gefesselten auf Drehstuhl), 1971 Farbserigraphie in Blauviolett und Schwarz / Karton. Auflage 250 exemplare, signiert, numeriert und datiert. 52,8 x 57 cm.

"Gefesselter auf einem Stuhl", 1970. Farbserigraphie in Braun, Gelb und Blau/Karton. Auflage 100 exemplare, signiert, numeriert und datiert. 70 x 50,5 cm.

Ohne Titel. 1971. Serigrafie, handsigniert 100 exemplare nummeriert. 70x50 cm.
"Brustbild", 1966. Farbserigraphie in Rosa, Hellblau und Schwarz/Arches Vélin. Auflage 100 exemplare signiert, numeriert, datiert und betitelt; 47,7 x 38,2 auf 56 x 45,2 cm.

Ohne Titel (20 Frauenbüsten) 1968. Farbserigraphie in zwei Grüntönen und Gelb/Karton. Auflage 100 exemplare signiert, numeriert und datiert. 26,9 x 20,7 cm.

Ohne Titel (8 Figuren in Schachtel) 1968. Serigraphie in Grautönen über s/w-Offsetlithographie/Karton. Auflage 150 exemplare signiert, numeriert und datiert; 45,5 x 63 auf 58,5 x 79 cm.

"Juan Borges de Souza, unter dem Portrait seines Präsidenten" 1971 Farbserigraphie in Brauntönen, Hellblau, Rosa und Schwarz/Karton. Auflage 165 exemplare signiert und datiert, im Druck betitelt. 61,2 x 43 cm.

"KR KR" (Gefangener in Holzkiste) 1970. Farbserigraphie in Brauntönen, Schwarz, Gelb und Hellblau/Karton. Auflage 120 exemplare signiert, numeriert und datiert. 58 x 84 auf 61 x 86 cm.

"Gruss aus Athen" 1971. Farbserigraphie in Braun- und Blautönen sowie Schwarz/Karton, Auflage 80 exemplare signiert, numeriert und datiert, im Druck betitelt; 61,2 x 41,8 cm.

Ohne Titel (verkabelter Kopf) 1974. Objekt: farbig gefaßter, tiefgezogener Kunststoff und Elektrokabel in schwarzem Objektkasten mit Acrylverglasung. Auflage 100 exemplare auf der Rückwand signiert und datiert, auf dem Objekt numeriert. 49,5 x 41,5 x ca. 15 cm.

"Franz Josef Strauß unter 4 Portraits" 1972. Farbserigraphie in Blau-, Braun-, Rot- , Grautönen und Schwarz/Karton. Auflage 100 exemplare signiert, numeriert und datiert. 67,5 x 44,5 auf 73 x 49,4 cm.

"Papa arbeitet in Wolfsburg/Germania" 1973/1974. Farbserigraphie in Rot, Violett, Gelb und Schwarz/Karton. Auflage 250 exemplare signiert, numeriert und datiert, im Druck betitelt. 46,5 x 37,5 auf 62,2 x 44,3 cm.

Ohne Titel (Gefolterter unter dem Portrait Richard Nixon) 1971. Farbserigraphie in Braun-, Rot-, Blautönen und Schwarz/Karton. Auflage 110 exemplare signiert, numeriert und datiert. 58 x 41,5 auf 61 x 43 cm.

Ohne Titel (Frau in Badeanzug mit Mundschutz und Helm) 1970. Farbserigraphie in Orange, Olivgrün- und Brauntönen/Karton. Auflage 150 exemplare, signiert, numeriert und datiert. 59,3 x 42 auf 60,8 x 43 cm.

Deep Purple. Machine Head Live 1972.

2008-09-17T22:45:00.011+02:00

The Machine Head (album) was recorded at the Grand Hotel Montreux, Switzerland in December 1971 with the Rolling Stones Mobile Studio and it was released in March 1972.
The movie “Deep Purple. Machine Head Live 1972” was filmed on January 3, 1972 in Copenhagen, few time before the tape went out to market.
Enjoy this amazing performance. As you see it seems archaeological stuff, but the sound is absolutely amazing. I think Ian Gillan had one of the most fantastic voices of Hard Rock. I knew this album when I was a teenager, and I have got an original Spanish LP from 1972; it’s a treasure, for sure. I was 4 months old when the album was recorded; maybe I’m a little piece of the archaeological stuff, too.
All songs were written by Ian Gillan, Roger Glover, Ritchie Blackmore, Jon Lord and Ian Paice.

I only saw Deep Purple in Oviedo (Buenavista's Bullring), Sept. 20, 1998, but I keep my love for this great band.
Movie on http://www.moviesfoundonline.com

Marina Abramovic. "Balkan Erotic Epic".

2008-09-16T23:33:00.015+02:00

Existencias
MUSAC. Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León.
21 de septiembre, 2007 - 6 de enero, 2008.
Marina Abramovic. "Balkan Erotic Epic"

Fotografías: Javier F. Granda.

Salas. Memoria Gráfica.

2008-09-16T12:17:00.021+02:00

En el transcurso de los años 2001 y 2002 se reunía en Salas (Asturias) un grupo de entusiastas entre los que se encontraban Armando Graña, Francisco Iribarnegaray, Javier F. Granda, Marcos y Ana Alvarez, con el propósito de recopilar material fotográfico y documental sobre la Historia Contemporánea de la villa. La idea que había partido de F. Iribarnegaray y J. Granda se extendió entre A. Graña y M. Alvarez conformándose así el primer núcleo de trabajo.
La recopilación, organización y selección de un fondo fotográfico supuso gran parte del esfuerzo y se rescataron imágenes muy valiosas de la villa que partían de finales del s. XIX.
A la recopilación fotográfica se fueron incorporando progresivamente las indagaciones en las hemerotecas de los diarios La Nueva España y La Voz de Asturias, por parte de A. Graña, F. Iribarnegaray y J. Granda, que sacaron a la luz datos curiosos y objetivos del pasado de Salas como los desastres de la riada del 59 que estuvo en relación con las fuertes lluvias que a su vez causaron el derrumbe parcial de la torre del castillo de Salas.
Los sondeos en el Archivo Histórico del ayuntamiento de la localidad proporcionaron informaciones interesantes sobre diversos aspectos y otra diversa información comenzaba a emanar de diferentes archivos privados.
Con todo ello se pretendía reunir el material necesario para articular una publicación sobre la villa y su devenir histórico en el siglo XX, que había concluido hacía escasamente un año.
El enfoque era múltiple e interesante, sin embargo el trabajo se olvidó por diferentes problemas que no vienen al caso. De ello quedan muchos datos y mantenemos la esperanza de que algún día vean la luz de forma ordenada y coherente. Las fotografías que se muestran forman parte de una recopilación más extensa que próximamente iré publicando aquí sobre el trabajo en curso.

Filosofía Auserón en cuatro saltos sobre fondo rojo.

2008-09-04T01:05:00.012+02:00

Fecha de emisión: 8/6/2007.

Procedencia de los videos: Canal youtube [www.youtube.com/santiagoauseron] en http://www.lahuellasonora.com

Live at the Hollywood Bowl. July, 5. 1968. The Doors

2008-09-02T09:40:00.006+02:00

Entire film by courtesy of www.moviesfoundonline.com. Click over the pic if you want to discover a cool performance. You will never forget...

The doors are open.

2008-08-29T22:37:00.002+02:00

The Doors in England 1968.

HWY. An American Pastoral (1969)

2008-08-12T02:33:00.007+02:00

Entire film by courtesy of www.moviesfoundonline.com. Click over the pic to see the film complete.

Jean Michel Basquiat on films

2008-08-08T14:11:00.016+02:00

DOWNTOWN 81 is a feature film starring the legendary American artist Jean Michel Basquiat (1960-1988). The film was shot in 1980-81. Originally titled "New York Beat" it was written and co-produced by Glenn O’Brien, and directed by photographer Edo Bertoglio.

Basquiat (1996)
Julian Schnabel, Director. Cast: Benicio Del Toro, Christopher Walken, Claire Forlani, Courtney Love, David Bowie, Dennis Hopper, Elina Lwensohn, Gary Oldman, Jean Claude Le Marre, Jeffrey Wright, Michael Wincott, Parker Posey, Paul Bartel, Tatum O'Neal, Willem Dafoe.

enparedarte en El Olivar.

2008-08-04T20:21:00.010+02:00

Fermín Santos inaugura enparedarte (Bar Olivar, calle Oscura, 1 Oviedo) con su obra “Perchas”. El Olivar cuenta con una larga trayectoria en lo que a servir de escaparate de artistas jóvenes se refiere, sin embargo en esta ocasión los planteamientos han variado sensiblemente y las muestras programadas pretenden hacer participativo al espectador.

Entre los objetivos de este proyecto se encuentra la difusión pública de distintas modalidades de creación y dar cabida al Arte en un espacio distinto al habitual. La creación ha sido entendida por los promotores como una relación afín entre quienes expresan y quienes interpretan la obra, de ahí que los comentarios, opiniones y propuestas por parte del público serán recogidos e interpretados como pieza fundamental en el desarrollo de la muestra.

Estamos ante una circunstancia excepcional dado que esta muestra de Arte en El Olivar se abre al público en general buscando su participación, recabando su crítica, comentarios, apreciaciones, etc., sobre lo expuesto a modo de collage complejo que sirva para enriquecer aún más la experiencia. Algo muy importante es que con carácter anual se editará un catálogo recopilatorio de las distintas exposiciones, donde se recojan asimismo los textos de los participantes que por su originalidad, calidad, etc., sean merecedores de incorporarse a la publicación.

El proyecto tiene un componente de riesgo muy atractivo y positivo, cual es la revisión crítica a la propia Crítica del Arte; ejercicio de cierta aspereza, sin duda, pero necesario por cuanto que la muestra nace con una vocación de no someterse a las ataduras de un circuito normalizado. En este sentido ha de ser valorado positivamente el ejercicio critico del público, que con sus textos, visiones y narraciones nos sitúen la obra de Arte en un contexto radicalmente inmediato, alejado del limbo parnasiano donde hemos de trepar habitualmente en busca de respuestas; sin anular evidentemente la capacidad del “nuevo crítico” para introducirse en el laberinto de las musas.

Fermín Santos. "Perchas"
Asistí a la gestación de la obra “Perchas” de Fermín Santos (Oviedo, 1969) en el mes de marzo pasado cuando se preparaba la colectiva con Alvarez Cabrero para la Casa de Cultura de Grado. Por aquél entonces Fermín dedicaba buena parte de su tiempo de taller a estampar esta obra que finalmente estaría lista para la inauguración de la exposición el 28 de ese mes en Grado.
En un primer momento fue imposible que el autor mostrase cualquier atisbo de luz sobre la obra. Me incliné a relacionar “Perchas” con la serie iniciada de camisas estampadas, en las que simultáneamente trabajaba. Creí que tras ambas obras se escondía un significado complementario, sin embargo el tiempo ha querido que la red de relaciones que yo veía no hayan cristalizado; quizás en un futuro pudiéramos encontrarle ésta lógica al ensayo que Fermín propone.
Finalmente el artista confesó que “Perchas” es otra de sus provocaciones conceptuales donde utiliza un doble lenguaje en la representación; por una parte el propio objeto y su utilidad, por otra los múltiples significados de su laboratorio de metáforas. No podemos dejar pasar sus afirmaciones a la prensa en el diario El Comercio de 13 de junio pasado cuando habla de su obra expuesta en El Olivar como de mera casuística y añade que sus obras están cargadas de cosas emotivas y personales que, a veces, ni él mismo acierta a averiguar y concluye diciendo: “en principio son perchas nada más, luego ahí cada uno va colgado su subconsciente”.
En este punto vemos que el artista nos ha dado unas claras referencias a su obra y lo ha hecho para dotar de significado al objeto que descontextualiza, enfatizando su correspondencia con el ámbito de lo mental a un nivel absoluto. Y no porque los objetos dejen de formar parte del ámbito mental que los origina, sino por la retroalimentación generada por ellos y atribuida por el artista, cerrando así el círculo que los sitúa fuera de las fronteras de la funcionalidad y de la concepción práctica.
Por un momento los objetos están dotados de capacidad para manejar nuestro subconsciente en el sentido de orden y combinatoria en que se muestran. La sencillez de las estampas, así como el reconocimiento inmediato del objeto, nos hacen con total seguridad revisar los horizontes de la percepción en los que nos vemos proyectados. El subconsciente colectivo se ve atrapado en El Olivar ante percepciones múltiples; mientras tanto, Fermín Santos se habrá instalado en él, preparando el camino para una detonación aún más fuerte que es lo que realmente necesitamos para sacudir la indiferencia anclada en nuestro tiempo.
Javier F. Granda. A Coruña, 17 de julio de 2008.

Buenas vibraciones. Grandes recuerdos!

2008-08-04T18:25:00.029+02:00

He leído que Santi respondió espontáneamente a quien le preguntó por el origen de su apellido, del siguiente tenor literal: “Hubo un rey de la Isla de Hierro que se llamaba Auxerón, antes de eso, al parecer el apellido provenía de la zona de Tarbes, del sur de Francia. Sólo muy recientemente, me he enterado de que en lengua occitana significa "pajarito"; proviene del latín "avicellum" y es lo mismo que en italiano "ucello" o en catalán "ocell".

Horse Guards Parade & Norman Foster.

2008-08-04T00:51:00.004+02:00

Horse Guards Parade. Norman Foster, 1996. Serigrafía, 80 x 60 cm. Papel: Somerset. 100 ejemplares numerados y firmados.
La diosa Fortuna ha vuelto a visitarme… Esta vez con la serigrafía de Sir Norman Foster que está dedicada a la célebre Horse Guards Parade de Londres, y que nos muestra el proceso de trabajo del arquitecto en un proyecto urbanístico que afecta a un gran espacio público en la ciudad del Támesis. En la obra se reivindica la recuperación del espacio histórico sobre el que Foster proyecta una intervención materializada en una sugestiva visión del antes y el después en dicho espacio, complementado con su propia explicación manuscrita. La obra forma parte de la carpeta “Arte y Arquitectura” editada por Deutsche Bauspar AG de Francfort en 1997, en la que participan artistas y arquitectos de la altura de Eduardo Chillida, Aldo Rossi, Richard Meier, Zamp Kelp, Ludger Gerdes, Otto Herbert Hajek, Hans Hollein, Günther Uecker y Max Bächer.

[Galicia]

2008-07-28T01:23:00.020+02:00

Algunas imágenes de un profundo sueño galego en éste mes de julio... Me he quedado colgado de esas nubes sobre Santiago.

Riders On The Storm. Festival Marés Vivas'08. Vila Nova de Gaia, Praia do Areínho [Portugal]

2008-07-20T01:07:00.026+02:00

Se podrían decir muchas cosas acerca de éste concierto, como que Brett Scallions no tiene voz o no da la talla..., pero quiero destacar un detalle apoyándome en el video de Gustavo, un amigo de Oporto, que se nuestra a continuación: Robby Krieger se dirige al multitudinario público para agradecer el clamor y lo hace en español, con un “muchas gracias” que no gusta demasiado; Brett Scallions le corrige diciendo que se ha equivocado de concierto y que debería decir "obrigado", a lo que Robby responde para putear un poco más el ambiente con "¿¿No les gusta español??"... After this, some few videos from Gustavo, who lives in Porto. Wherever you are, thanks a lot friend. I won't forget it!!.

El cine casero, por Álvarez Cabrero.

2008-07-08T13:35:00.004+02:00

Las tribulaciones del pintor ovetense para buscar un sitio en el mercado a su tercera película.

La Nueva España, Martes 8 de julio de 2008. Oviedo, Marcos PALICIO. Fotografía: Nacho Orejas.

Hay un cine casero, lo sabe Álvarez Cabrero, pero a veces no encuentra la salida. Existe un modo de hacer películas cada vez más accesible. Casi tan sencillo de hacer como difícil de ver. El pintor ovetense es el director, productor, guionista, montador y hasta responsable de la música en «El enigma del ático izquierda», su tercera prueba con el cine. No da con la manera, ahora habla el distribuidor, de hacerle un sitio en ningún mercado. Cuenta, él es el ejemplo, que la tecnología ha puesto la creación audiovisual al alcance de casi todas las manos. Asume que hacer la película ha dejado en algún sentido de ser el problema un instante antes de lamentar que lo difícil para él ha empezado después, al buscar con el DVD en la mano la forma de conseguir que se vea.

José Carlos Álvarez Cabrero hizo «El enigma del ático izquierda» con unos 1.200 euros, con poco más que una cámara de alta gama y un ordenador, entre el piso de una amiga y el suyo y con un grupo de actores no profesionales. Afirma que invirtió «dos años», gastados en gran parte, relata, en salvar las dificultades del montaje y la música -«la hice con el ordenador, sin tener apenas ni idea»-. Las tribulaciones de su cine casero no terminaron ahí. Ahora no da con el modo de conseguir que sea tan accesible para el público verla como fue para él hacerla. Le queda internet, sí, casi exclusivamente. Porque ya lo ha intentado con festivales que siempre «exigen formatos profesionales» y que hasta ahora sólo le han dado negativas, pero también con «algunas productoras, una distribuidora y hasta el Ayuntamiento». Agua. De momento, ha tirado de lo que tiene más a mano para venderla en la galería Cimentada, donde expone, y ha colgado un avance en su blog http://alvarezcabreroblog.blogspot.com/.

«Ya está hecha, es gratis», se queja de la indiferencia. Lamenta el tiempo que la película le ha quitado a la pintura y todos los portazos, especialmente el del Festival de Cine de Gijón. «Presumen de cine independiente», afirma, y cierran la puerta a «la que debe de ser la única película realmente independiente de España». Tanto que se presenta expresamente desde la carátula y los títulos de crédito como «película no subvencionada» y que el equipo se reduce casi exclusivamente a él y a los actores -Noel Rodríguez, Carlos Radío, Alejandra Martínez y Yurena Francés, entre otros-. Interpretan ellos; el resto, todo Álvarez Cabrero. «Con una cámara de alta definición asequible a cualquier bolsillo y un ordenador», confirma, «puede hacer una película cualquiera». El problema empieza a crecer cuando se cumple «medio año intentando moverla» sin éxito. Esta tercera experiencia audiovisual de Álvarez Cabrero va después de «Caracerdo», un cortometraje mudo de animación hecho con figuras de plastilina, y a «Los árboles del imperio», un mediometraje ya «con gente». «El enigma del ático izquierda», 65 minutos, quiso ser «una especie de comedia muy autóctona» con un pretendido fondo de misterio en torno a una casa habitada por el fantasma de su inquilino anterior. El artista ovetense no recuerda el origen de su inclinación hacia esta traducción a la parodia de cierto cine de ciencia ficción ni se detiene en las pretensiones de su obra. Sí admite que se puede achacar a su cinta «que los actores no son muy profesionales», pero a la vez dice haber constatado que apenas se le han quejado los que la han visto hasta ahora.

Al llegar al balance de sus coqueteos con lo audiovisual, con éste tres, dice Álvarez Cabrero que todo empezó cuando descubrió que la plastilina de «Caracerdo» combinaba bien con las artes plásticas, «se acercaba a lo que yo hago». Más «los dibujos animados, pero me parecían inasequibles», continúa, «y opté por la plastilina, similar y con una estética muy guapa».

Con eso, hecho en 1998, comenzó a tomarle gusto a la cámara; después repitió en 2006, cuando le vio un halo de misterio al bosque de La Zoreda, en La Manjoya, y surgió «Los árboles del imperio» inmediatamente antes de este «enigma del ático izquierda». Todo hecho en casa, todo autóctono y sin subvencionar. «Pensaba hacer otra», se despide el pintor, «pero tal y como está el panorama?».

«Del arte se puede malvivir muy bien»

2008-06-25T12:30:00.007+02:00

elcomerciodigital.com
EN CORTO. FERMÍN SANTOS, ARTISTA PLÁSTICO.
«Del arte se puede malvivir muy bien»
13.06.08 - R. MUÑIZ OVIEDO

CON PERCHA. Santos cuelga su obra en El Olivar. / JESÚS DÍAZ

Hay que estar un poco 'colgao' para convertir un bar en una sala de exposiciones. Eso es exactamente lo que acaba de lograr Fermín Santos (Oviedo, 1969) en El Olivar (calle Oscura, 1), un local donde a diario desfilan artistas, músicos y gentes de vivir extraño. En una de las paredes del establecimiento, cada dos meses un creador lucirá sus obras. Tomar copas y discutir sobre el arte en vivo y en directo ya es posible.
-Y para que la idea quede clara, llega usted y estrena con su obra, una serie de cuadros con perchas, como si invitara a la gente a 'colgar' su obra del muro.
-En realidad fue una casualidad, pero es una interpretación posible. Las obras están cargadas de cosas emotivas y personales que, a veces, ni yo mismo acierto a averiguar. En principio son perchas nada más, luego ahí cada uno va colgado su subconsciente.
-¿Y no prefería colgar a alguien en particular?
-No, no, no tengo yo vocación de verdugo.
-¿Sabe que los museos le pueden denunciar por competencia desleal?
-Hombre, yo creo que el bar es precisamente uno de los sitios con más legitimidad para albergar artistas. Con esto no decimos que los museos sean aburridos, sólo damos una opción más.
-¿Podrá exponer cualquiera?
-Claro. Hay una 'web' que actúa como elmento de comunicación (http://www.20alolivar.org/). Luego hay un grupo que participa en la selección, como Iván Dasto, de la galería Dasto, el historiador Javier Fernández Granda, los promotores y dueños del bar (Lucía y Amador) y yo mismo.
-Usted estudió grabado y diseño de interiores. ¿Se puede vivir de estas artes?
-Del arte, en general, se puede malvivir muy bien. Por ahí dice una encuesta que solo 4 de cada 100 artistas comen para contarlo, no sé si será cierta.
-Y en Oviedo, ¿cómo anda el nivel artístico?
-Pues... bastante bien si lo que haces es compararlo con una ciudad del norte de África. Ahora, si te pones a mirar a Gijón, allí están 1.000 veces mejor, hay más salidas a la cultura plástica. Aquí tenemos teatro y ópera. Me encanta, pero no basta.

Ludger Gerdes

2008-06-24T18:41:00.013+02:00

Ludger Gerdes. S/T. 1996. Serigrafía. Formato: 60 x 80 cm. Papel: Rives. Edición: 100 ejemplares numerados y firmados.

Esta es la última obra que he adquirido y se trata de una imagen evocadora de la presentada en 1987 al certamen de escultura de Münster. A la izquierda de la imagen observamos la representación de dos barcos fluviales. Un barco fluvial es el motivo original de la intervención, como vemos abajo, que se encuentra rodeado de un foso de agua en las afueras de Münster. Con este conjunto aludía Gerdes a los castillos de agua de la región de Münster, a las barcazas fluviales que surcan sus canales y a la propia existencia humana. El barco se convierte en hogar y ocupa un lugar en la naturaleza, insertándose en el entorno urbano como un elemento más de uso doméstico.

Ludger Gerdes (Lastrup, 1954) cursó su carrera en la Escuela de Artes Plásticas de Dusseldorf como discípulo de Gerhard Richter. En su obra se refleja el interés por la arquitectura, explorando las posibilidades de plazas y espacios públicos como lugares de comunicación. Los elementos geométricos de sus cuadros tienen carácter simbólico, forman parte de un sistema de ordenación y se encuentran en diálogo con la arquitectura circundante.
Ludger Gerdes ha participado en la documenta 7 de Kassel y en el conocido certamen internacional de esculturas públicas Skulptur. Projekte in Münster, de 1987. Sus trabajos han sido expuestos en diferentes museos y galerías.

En las siguientes imágenes vemos la intervención original "Schiff für Münster" en el paisaje.

Schiff für Münster

[Never Mind the Bollocks]

2008-06-23T15:48:00.004+02:00

SEX. 430 Kings Road [London]

You have to see this to belive it!

2008-06-19T00:22:00.007+02:00

The best part of the trip start after 2:25 minutes. This is the best part of the trip, this is the trip, the best part. I really like it ...

Mayo del 68 en la UNED.

2008-06-16T23:47:00.012+02:00

La UNED conmemoraba el pasado mes de mayo en dos sedes (París y Madrid) los cuarenta años del mítico mayo francés de 1968 planteándose qué cambios se produjeron en la sociedad occidental a partir de entonces y en qué medida aquella fecha puede ser considerada como emblemática del inicio de unas transformaciones que se desarrollarían a lo largo de las siguientes décadas. En una de las jornadas organizadas por la Uned se pretendía abordar el caso específico de España desde un punto de vista académico para analizar las vertientes intelectuales, morales y políticas del tema.
Aconsejo el magnífico documento alojado en TeleUNED, dentro del apartado Teleactos, para entender un poco más el fenómeno del mayo francés y no sólo eso, sino el continuo previo y posterior a esa mítica fecha. Un documento brillante e imprescindible para los interesados en el tema.

Para hallar el video de la conferencia del día 29 de mayo de 2008 y el posterior debate, es necesario acceder a TeleUNED, una vez aquí hacer una búsqueda por fecha (29 Mayo 2008), seguir el enlace MAYO DEL 68 Y ESPAÑA [Acto completo] y elegir la conferencia del día 29; la cual se puede complementar con la del día 27. Si se hace click en Ver vamos directos al acto. El video puede verse a pantalla completa haciendo click sobre la imagen con el botón derecho del mouse y desplegando las propiedades de zoom. Aconsejo ver primero el video del día 29 de mayo pues, a mi modo de ver, es el que sintetiza mejor un gran cúmulo de cuestiones sobre el mayo francés y complemetarlo posteriormente con el del día 27.

Dan Attoe "American dreams"

2008-06-16T00:05:00.014+02:00

Dan Attoe. American Dreams. MUSAC (León) 17 de mayo - 6 de julio.
Según información del MUSAC, Dan Attoe muestra por primera vez en España su pintura en la exposición American Dreams.

El paseo por la reducida exposición de Attoe se torna en trance alucinante. Está formada por pinturas de pequeño y mediano formato donde el artista construye un universo extraordinariamente complejo. El pequeño espacio del Laboratorio 987 del MUSAC atesora paisajes oníricos de la naturaleza norteamericana poblados de personajes enigmáticos elegidos por el artista para servir de catalizador de reflexiones mayores acerca de las identidades y conjunción entre hombre y naturaleza.
Las obras se desbordan de los lienzos para crear en el Laboratorio 987 del MUSAC un mensaje que se ve apoyado por breves textos y trazos complementarios en grafito sobre la pared. El autor enriquece así la lectura de sus obras, de por sí expresivas. Todo un descubrimiento.
La información del MUSAC nos revela que durante años (de 1997 a 2004) Dan Attoe se impuso la tarea de realizar un cuadro de pequeñas dimensiones cada día, convirtiendo este acto cotidiano en un conjunto de cuadros que resultaban una especie de diario íntimo y personal, a los que, además, para que tomaran aún más, si cabe, este cariz, escribía en el reverso de cada uno diferentes poemas o simples relatos centrados en los últimos acontecimientos de su vida personal o historias sacadas de los medios de información. Textos que revelan la personalidad del creador, frases cargadas de ironía, sutiles declaraciones que reflejan sobre todo que Dan Attoe es un gran observador de su entorno. La incorporación de elementos textuales en sus obras revelan parte de sus pensamientos,– “Everything is more complicated than you think it is”(Todo es más complicado de lo que crees), “You are full of magic” (Estás lleno de magia) “Always wait for me” (siempre esperando por mí) o “Trying to control everything“ (Estoy intentando controlar todo).

Dan Attoe (Bremerton, Washington, 1975) Vive y trabaja en Portland, Oregon. Realizó estudios de arte en la University de Iowa y en Universidad de Wisconsin. Ha realizado importantes exposiciones individuales tanto en EEUU como en Europa, entre las que destacan:

You Have More Freedom than you’re using en Peres Projects, Berlin (2006) o You Get What You Deserve en Vilma Gold, London (2005), así como exposiciones colectivas entre ellas en el Contemporary Northwest Art Awards, Portland Art Museum, Portland (2007); There’s No Fooling You (The Classics), en Peres Projects, Los Angeles. "8th Northwest Biennial," Tacoma Art Museum, Tacoma, Washington, "The Zine UnBound: Kults, Werewolves and Sarcastic Hippies," Yerba Buena Center for the Arts, San Francisco, CA (2005) "Growing Up Absurd," Hebert Read Gallery, Kent, UK (2005) o Fictional Wonders / Real Hallucinations, Sioux City Art Center, Iowa (2004).

Su obra se encuentra en importantes colecciones públicas y privadas.

Actualmente prepara una exposición individual en Peres Project Berlin y una colectiva en la Saatchi Gallery, London.

Wolf Kahlen, 1969 Selbst-los/Self-less 2000

2008-06-10T09:22:00.016+02:00

1969 Selbst-los/Self-less 2000

For this art project, Wolf tells us:

You may open three pages now. Only you are able to see, what you are going to see, nobody else gets the same view. It is a unique threefold piece of art, which you may print out for your collection. It shall be numbered and signed simultaneously in the moment of printing. The first page is an image of My Self (1969), which looses "one pixel" the moment you open it. You can hear and see this. On a second page you will find that pixel, you managed to loose, at its original position, but only this, your personal one. On a third page all the pixels lost by you or other users, add up to another image, which is a positive of the first negative print with a slight difference. My Self seemed to vanish and returns now. Please, if you wish, sign in in the community of collectors: the Public Collection. Only in the totality of all the globally distributed fragments, the entire process of going and coming of My Self can be imagined as a new piece. Leave your name, location and country later.

Concentrate: See and hear, how your personal pixel disappears on the page with a photographic image you are going to open first. And how it returns on the following "blank" page, just that one pixel of yours.

And how it dives up on the third page within a new photo image. To make sure to be able to see the process, open the window as big as possible, since the image is in a vertical frame. Otherwise you might miss the visible moment. Make sure also to print each of the next three pages, if you do not, they are lost forever and for anybody in time and space.

You are now owner in part and collector of the Gesamtkunstwerk Selbst-los/Self-less of Wolf Kahlen (Berlin, Germany), which is in Public Collection now. Please join in the list of collectors, because that way the globally distributed pieces add up to a virtual complete piece, an new entity, which rests in a Virtual museum.

Federico Castellón

2008-06-07T18:32:00.012+02:00

Gracias a Ludwig Siebers, de Münster (Alemania), he podido reunir esta pequeña colección de obras de Federico Castellón, artista que nace en Alhabia, Almería, el 14 de Septiembre de 1914. En 1921 la familia se traslada a Brooklyn, New York. 1933 Se gradúa en el instituto de Erasmus Hall, Brooklyn, New York
1934 Su primera exhibición en solitario, Galería de Weyhe, New York
Vuelve al instituto Erasmus Hall para hacer un mural sobre las Artes y las Ciencias.
Cuatro paneles, "Source and Inspiration of Modern Art" (Fuente e Inspiración de Arte Moderno) Mural expuesto en las Galerías Raymond and Raymond en New York, antes de ser instalado en el instituto Eramus Hall Recibe una beca de cuatro años del gobierno Español para estudiar y viajar en Europa (España, Francia e Inglaterra)
Exposición en La Casa de Velázquez, Madrid, España
1935. Exposición de París de Artistas Españoles/Americanos: Blanchard, Castellón, Dalí, Gris, Miro y Picasso en Ciudad Universitaria.
Galería De Los Amigos Del Arte. Madrid.
1936. Estudia y pinta en París y Londres.
1937. Vuelve a New York. Hace su primera litografía en el estudio de George Millers.
Exposición en el Museo Whitney Annual, exhibición itinerante de la Federación Americana de Arte. 1938. Exposición en el Museo de Whitney Annual.
1939 Invitado a Yaddo, Saratoga, New York (la Fundación Peabody de Artistas, Escritores y Musicos).
1940. Medalla Eyre, Academia de Bellas Artes de Pensilvania por la litografía, ‘Rendezvous in a Landscape’ (Encuentro en un Paisaje)
Se casa con Hilda Greenfield, 21 de Octubre
Primera beca de Guggenheim, viaja por el sudoeste de los EE.UU. – pinta, dibuja y recoge material para pinturas y gráficos
Expuesición en la Galería Weyhe, Instituto de Arte de Chicago
1940. Empieza a trabajar el grabado
Serie de doce pinturas para el simposio de CIBA (Revista Medica)
Exposición en el Instituto Carnegie
Reclutado por el Ejercito de los EE.UU.,Fort Belvoir, Alexandria, Virginia
Oficina de Servicios Estratégicos: Washington, D.C.; Kunming, China; India
Dado de baja en el ejercito de EE.UU., Octubre
Empieza su carrera de profesor en la Universidad Columbia, Instituto de Pratt, Nuevo Instituto de Investigación Social, Academia Nacional de Diseño, Instituto Queens
Nace su hijo, Paul Andrew, 27 de Junio
Exposición: Alianza Artística de Filadelfia, "Five American Printmakers" (Cinco grabadores americanos)
Instituto Carnegie, Pittsburg, PA. ‘Current American Printmakers’
Ilustraciones: ‘Bullfinch’s Mythology’ (La Mitología de Bullfinch), publicado por Doubleday and Co, Inc Recibe una beca del Instituto Nacional de Artes y Letras
Elegido miembro de la Academia Nacional
Recibe su segunda beca Guggenheim
Viaja por Italia
Exposición en solitario: París, Bombay, Galería de Artistas Americanos Asociados, New York
Publicado, Portfolio of Eleven Etchings on China (Carpeta de Once Grabados sobre China)
1951. Empieza a enseñar, Instituto de Pratt, Brooklyn, New York
Produce una serie de pinturas para Life Magazine, ‘Memorable Victories in the Flight of Justice’ (Victorias Memorables en el Vuelo de la Justicia)
1952-53 . Se dedica a reconstruir un Brownstone en Brooklyn Heights
1954. Viaja por Sudamérica para el Departamento del Estado, Programa de intercambios de Educación Internacional, con una exposición de sus obras, gráficos y pinturas
Países Visitados: Venezuela, Colombia, Perú, Chile, Bolivia, Paraguay, Uruguay, Argentina
Serie de pinturas, publicada en Life Magazine, "Epic of Man, The Coming of Man, Sumerian Man" (La épica del hombre, La Llegada del Hombre, el Hombre sumerio)
Ilustraciones: Laboratorios Abbott
Revista Medica y Libros
-60 Se dedica a la escultura
1961. Exposición en solitario, Galería 10, Bucks Country, Pennsylvania
La familia se traslada a Europa. Vive, viaja y trabaja en París, Madrid e Italia. 1962. Serie de Pinturas y Acuarelas, Madrid
1963. Serie de Litografías en Atelier de Jacque Desjobert, París
Académico de la Academia Nacional de Diseño
Vuelve a los Estados Unidos
1964. Exhibición en solitario en la galería de Ferry Dintenfass, Ciudad de New York
Expuesto en The World’s Fair, Ciudad de New York
Recibe premios del Club de Grabados de Filadelfia y de la Sociedad de Artistas Gráficos Americanos
Exposición: Artistas de Hudson Guild, Biblioteca Great Neck, Great Neck, New York
1965. Exposición in la Feria Mundial, Ciudad de New York
Viaja a París para crear y publicar una serie de grabados
1966. Exposición en solitario: Artistas Americanos Asociados (Grabados y Litografías)
Empieza una serie de pinturas, ‘Where Death and Poisonous Flowers Predominated’ (Donde la Muerte y las Flores Venenosas Predominaron) en la Ciudad de New York
1967. Serie de litografías en Atelier d’Desjobert, París
Serie de grabados y aguatintas para ilustrar The Talisman (El Talismán) de Sir Walter Scott, publicado por Limited Editions (Dibujado y grabado en la ciudad de New York, impreso en París)
1968. Elegido miembro del Instituto Nacional de Artes y Letras
Empieza una serie de óleos surrealistas de formato pequeño Exposiciones:
Museo del Condado de Los Angeles
Centro de Artes de Storm King Mountain
1969. Elegido miembro del Century Club, New York
Produce dieciséis litografías en color para The Masque of the Red Death (La mascara de la muerte roja), de Edgar Allan Poe. Publicado por Aquarius Press, Baltimore, Maryland
1970. París, produce las tres últimas litografías que muestran un cambio de formato. Son más grandes, con temas más surrealistas y colores más brillantes.
Se dedica a una serie de pequeños oleos surrealistas y una serie de grabados en 1971 miniatura (no publicados), New York
1971. Exposición en solitario en la Galería de Lunn, Washington, D.C.
Exposición: Bienal Internacional del grabado Epinal, París

Últimas tres litografías:
"Blessed are the Meek" (Bendecidos son los Sumisos)
"Walking a Tight Rope on a Starry Night" (Caminando en la cuerda floja en una noche estrellada)
‘Portal Romance’ (Portal de romance)
Fallece el 29 de Julio de 1971 en New York.

Times Square, New York

2008-05-26T23:11:00.020+02:00

Jose sends you greetings and kind regards from Times Square, New York. The pics are from the EarthCam #4 in Friday's at the corner of 46th & Broadway...
The last one has been captured by EarthCam #2 situated in Times Square, Manhattan, opposite to Marriott Marquis Hotel, where he stays for a week.

José Manuel Navia

2008-05-20T12:13:00.012+02:00

Foto: José Manuel Navia. Río Níger.

Conocí a José Manuel Navia (Madrid, 1957) en un congreso celebrado en marzo de 2007. Le invité a tomar parte en él, dado que el tema tenía por título "Civilización y Paisaje", y quién mejor que Navia para mostrar algo de luz sobre la cuestión desde el ámbito de la Fotografía.
Un viajero y explorador increíble con dotes técnicas sorprendentes para comunicar y además una amplitud de conocimiento importante en el campo de las Humanidades, hacían de Navia un excepcional referente para la conferencia. Sus trabajos en National Geographic eran un atractivo indudable, pero lo definitivo para mí era la peculiar mirada del fotógrafo sobre todo lo que le rodeaba; testimonio que se materializaba en sus fotografías. Esa mirada peculiar sumada a lo exótico en muchas ocasiones de su temática, aún me cautivan como el primer día. Hoy conozco algo más sobre la preparación de sus trabajos, la documentación previa, etc., lo que me parece aún más admirable.

http://www.jmnavia.blogspot.com/

Michael Knigin

2008-05-14T11:50:00.011+02:00

Hace algún tiempo que me siento en deuda con Michael Knigin y con su compañera Joan Kraisky. Ya había empezado mi colección de la Japanese Suite cuando un buen día contacté vía email con el artista. Knigin y Joan no solamente atendieron a mis correos, sino que se interesaron por el numero de obras que había adquirido, etc. y me incluyeron en sus archivos como coleccionista privado. Su generosidad fue extraordinaria y ello me permitió conocer de primera mano el proceso creativo del artista.
Me habló en numerosas ocasiones de su relación con Warhol, comentamos la película que Julian Schnabel había dedicado a Basquiat y un largo etcétera de cuestiones que aún ruedan por la memoria.
Michael Knigin nació en Brooklyn, NY, en 1942. Se graduó en la Tyler School of Art, Temple University. En su juventud, obtuvo una beca Ford Foundation Grant para estudiar arte litográfico en la reconocida Tamarind Lithography Workshop, de Los Angeles. Después de graduarse en 1966, Knigin empezó a impartir clases en el Pratt Graphic Center en Manhattan, una extensión del Pratt Institute, dedicado a las artes gráficas. Allí comenzó su carrera y después de un año y medio abrió su propio taller, Chiron Press, incorporando la técnica serigráfica en sus instalaciones. Esta fue la primera instalación en Estados Unidos que combinó litografía y serigrafía.
Las instalaciones tuvieron una existencia de siete años, estampando y publicando ediciones de los más reconocidos artistas contemporáneos, entre los que se incluyeron, Andy Warhol, Roy Lichtenstein y Paul Jenkins.
Después de traspasar Chiron Press en 1974, Knigin fue invitado por el Israel Museum y la Jerusalem Foundation para abrir el primer taller litográfico profesional en Israel y formar a un grupo de jóvenes artistas israelíes. En Israel colaboró con el Ministerio de Trabajo y Educación junto con artistas reconocidos nacional e internacionalmente de Israel, Estados Unidos y Europa. Después de su permanencia en el centro, regresó a Nueva York y comenzó a crear sus propias obras. En aquel tiempo Knigin fue nombrado profesor en el Pratt Institute, donde aún imparte sus clases.
En 1988 fue designado para la NASA Art Team y fue enviado al Kennedy Space Center para interpretar visualmente el lanzamiento del Discovery, la celebración del regreso al espacio de la NASA después del desastre del Challenger en 1986.
En 1991 le volvieron a llamar para interpretar el aterrizaje del Atlantis en la Edward's Air Force Base. Junto a estos honores, recibió numerosos premios, entre los que se incluyen el Cleo Award para dirección artística, miembro de la American Film Institute en Los Angeles, un premio de Art and Technology, dos certificados de mérito de la National Society of Illustrators.
Fue jurado en siete ocasiones en muestras artísticas nacionales e internacionales. Desde 1978 ha expuesto individualmente en diecisiete ocasiones y ha sido incluido aproximadamente en ciento veinte exposiciones dentro y fuera de Estados Unidos.

Los trabajos de Michael Knigin se incluyen en unos 60 museos y colecciones corporativas, entre los que se incluyen el Whitney Museum of American Art, The Albright-Knox Museum, The National Collection of Fine Arts, The Smithsonian Institute, The Carnegie Mellon Institute, New York University, The New York State Council on the Arts, The Minnesota Museum of Art, The Library of Congress, The McNay Museum, The Mexico City Museum of Modern Art, The Delaware Museum, The Mint Museum, The North Miami Museum of Art, U.S. Air Force, The Indiana Museum of Art, The Brooklyn Museum, The Worchester Museum of Art, Smith College, The Cooper Hewitt Museum, The Portland Museum of Art, The Israel Museum, The Port Authority of NY, Citibank, NASA, U.S. Dept. of State, Playboy Enterprises, The Chicago Mercantile Exchange, Bank of Tokyo, Security Pacific National Bank, Amoco Oil Corp., The New York Aquarium, The Bronx Botanical Gardens, Reader's Digest, The Walker Collection, y The Phillip Morris Collection.
Sus obras han sido publicadas en numerosos artículos, entre otros, en el New York Times, Art in America y Art News. Ha tenido encargos de unas cuarenta instituciones para crear obra propia.
En 1970 y 1971 fue coautor de dos libros sobre litografía "Contemporary Lithographic Workshops Around the World" y "The Technique of Fine Art Lithography" que fueron publicados por Van Nostrand/Reinhold. Uno de ellos fue empleado como libro de texto y utilizado en escuelas en Los Estados Unidos e Inglaterra. Podemos precisar que en escuelas de Arte españolas se incluyen entre la bibliografía de determinadas asignaturas.
Sus logros en el campo de las Artes son significativos y sus trabajos son respetados y reconocidos por artistas, educadores y coleccionistas.

http://www.michaelknigin.net/

Wolf Kahlen

2008-05-12T21:59:00.011+02:00

Wolf Kahlen. "Almprojekt"

Tras una larga semana he podido finalmente incorporar a mi colección esta preciosa obra de Wolf Kahlen fechada en 1969. La imagen forma parte de un ambicioso proyecto en el paisaje de la montaña alemana.

Wolf Kahlen (1940 Aix-la-Chapelle, Alemania) es un pionero del video arte y otros medios. Entre 1960 y 1965 cursa estudios de Arte, Historia del Arte y Filosofía en Werkkunstschule Braunschweig, Ateneum Helsinki, Hochschule der Kuenste Berlin, Freie Universitaet Berlin y Columbia University of New York.
Desde 1969 trabaja en cine y video, video escultura, fotografía y performance. En 1970/71 crea (en colaboración) la Fundaciòn del Video-Forum Neuer Berliner Kunstverein (NBK), inaugurada en 1971 con la película de 16 mm Kahlen Reversible Processes (producida por NBK). En 1973/74 es cofundador y participa en ADA I y ADA II (actions of the avantgarde) en Berlín. En 1982 es el fundador, diseñador y creador del Art Center Ruine der Kuenste Berlin, abierto en 1985. En 1988 crea la 24 hours artists radio: Sender Ruine der Kuenste Berlin (1988-1994).

Desde 1969 realiza numerosos videos y foto performances y se exhibe a sí mismo a lo largo de todo el mundo.

Entre otras obras, destacan, de 1975: 25 Video Tapes Cycle Assimilations; de 1982: Arbeiten mit dem Zufall, den es nicht gibt, NBK and Neue Galerie Aachen; de 1986: Video Sculptures 1969-1986 Galerie am Koernerpark Berlin; de 1988 Lichtjahr 1988 (artists, scientists and psychic media on the subject time) Ruine der Kuenste Berlin, contribution to: Berlin - Kulturstadt Europa; de 1992 Ephemere Stuecke, Riga/Latvia Museum of Foreign Art; Museum Manes, Prague; NeuerAachener Kunstverein; de 1996 Nothing But Dust, video-, photo-, sound- and dust-installations, Peking Art Museum, 1998 Shanghai Art Museum; Turn Table Hong Kong, Goethe-Institute Hong Kong; ITPark Gallery Taipei; German Cultural Center Taipei; 365 answers in/on time, Radio Sender Freies Berlin, 11 hours production; de 1999 Inhaling Time – Exhaling Space, video-, photo-, sound- and dust-installations at IT Park Gallery Taipei; Huang Rui Studio Osaka.

Desde 1985 documenta en vídeo la influencia tibetana en territorios del Himalaya como Bhutan, Sikkim, Spiti, Nepal, India, Mongolia, Tibet y China, con 16 producciones (90-120 minutos cada una) denominadas Thang-stong rGyal-po Series. Entre 2000-2003 se realiza la retrospectiva en diez partes en el Ruine der Kuenste Berlin.
Sus video creacciones se incluyen en colecciones públicas como la Nationalgalerie Berlin, Hamburger Bahnhof Berlin, Museum of Modern Art New York, Museum für Neue Kunst ZKM Karlsruhe, Berlinische Galerie Berlin, Muzeum Potocka Krakow, Poland, Museum Ludwig-Neue Galerie Aachen, Hangzhou University Hangzhou (China), Kunsthalle Hamburg, Museum fuer zeitgenoessische Kunst Leipzig, Collection of the Federal German Republic, etc.

Ha participado en las principales muestras internacionales de vídeo creación como: 1974 Projekt 74, Kunsthalle Koeln. 1976 video satelite show University of Iowa; 1977 documenta 6, Kassel; 1989 Video-Skulptur retrospectiv und aktuell, 1963-1989, Cologne, Berlin, Zürich etc., con incipientes vídeo esculturas desde 1969; desde 1996 hasta hoy con ifa-travelling exhibition Video in Germany, Hong Kong, Groningen, Rostock, Taipei, etc. Con muestras en Internet: CynetArt Dresden 2000 y 2001, File 2000 y 2001 Sao Paulo, Rhizome NYC, ISEA 2000 y 2001 France, In the centre of the eye of art Warsaw, The Electrical and digital art show Johannesburg South Africa, Splitski Film festival 2001,LITE show Boston, etc.

Ha impartido numerosas clases dentro y fuera de su país, entre otras en Polonia desde 1975, en España 1976, en la Universidad de Iowa 1974 y 1977, en Rutgers-University, New Jersey, y en el Massachussetts Institute of Technology en 1980/81. Desde 1982 es profesor de Intermedia Art and Sculpture en la Technical University de Berlin. En 1985 fue consultor en Arte y Arquitectura para el Gobierno Real de Bhutan. En 1990 profesor visitante en Zheijang University Hangzhou, China. En 1992 impartió clases en la Bauhaus Dessau. Recibió numerosos premios entre los que se encuentran: 1965/66 DAAD scholarship to New York. 1969 Villa Romana, Florence. 1977 Villa Massimo, Roma. 1979 Ars Viva-Prize para trabajos pioneros en fotografía conceptual de la Verband der Deutschen Industrie. 1980/81 PS 1 scholarship to New York.

Sus vídeo creaciones se incluyen en las siguientes colecciones públicas: Nationalgalerie Berlin, Hamburger Bahnhof Berlin, Museum of Modern Art New York, Museum für Neue Kunst ZKM Karlsruhe, Berlinische Galerie Berlin, Muzeum Potocka Krakow, Poland, Museum Ludwig-Neue Galerie Aachen, Hangzhou University Hangzhou (China), Kunsthalle Hamburg, Museum fuer zeitgenoessische Kunst Leipzig, Collection of the Federal German Republic, etc.

http://www.wolf-kahlen.net/

Zamp Kelp. Mekka Medial, Paris Gare Austerlitz.

2008-05-08T20:27:00.008+02:00

Zamp Kelp

Mekka Medial, Paris Gare Austerlitz, 1989/96.

Serigrafía 75 x 56 cm. Papel: Rives, 80 x 60 cm. Edición: 100 ejemplares numerados.

La carrera arquitectónica de Zamp Kelp (Bistritz, Rumania, 1941) se inicia con estudios y primeros trabajos académicos en la Universidad Técnica de Viena. En 1970 crea su primer estudio de arquitectura en Düsseldorf, al que le sigue al año siguiente un segundo en New York. En 1979 recibe el Premio de Arte de la Academia de las Artes de Berlín. Ejerce la docencia como profesor invitado en la Cornell University of New York, en la Hochschule der Künste Berlín –de la que es catedrático- y en la Städelsche Kunstschule de Francfort.
Una de sus obras más conocidas por el gran público es el Museo Neanderthal de Mettmann, creado en 1996 en colaboración con los arquitectos Julius Krauss y Arno Brandlhuber.

La serigrafía de la imagen, que ha ingresado recientemente en mi colección particular, muestra el proyecto titulado Mekka Medial, Paris Gare Austerlitz, y se trata de una sugestiva mezcla de fantasía artística, creación conceptual y diseño arquitectónico. El conjunto, es protagonizado por un edificio que se erige sobre el complejo ferroviario de la estación de Austerlitz. En la parte superior de la imagen se observa una vista en alzado del edificio y en la inferior una perspectiva aérea. El conjunto de la imagen resulta muy sugerente y pasa de ser una mera proyección arquitectónica para convertirse en una obra de arte de gran fuerza expresiva.
Esta obra forma parte de la carpeta de obra gráfica que en el año 1997 fue editada por la institución alemana Deutsche Bauspar AG de Francfort destinada a sensibilizar a la opinión pública sobre la necesidad de mejorar las exigencias artísticas y arquitectónicas en la creación de espacios urbanos. Los beneficios de la venta estaban destinados al Deutsches Architektur-Museum de Francfort. Siguiendo la tradición de sus proyectos anteriores en el campo de “arquitectura y arte en el medio urbano” la institución organizadora invitó a diez artistas y arquitectos de renombre internacional a plasmar en una obra gráfica sus ideas y propuestas sobre la configuración de una plaza pública imaginaria o la mejora de una plaza existente. Los participantes de ese proyecto fueron Eduardo Chillida, Norman Foster, Aldo Rossi, Richard Meier, Zamp Kelp, Ludger Gerdes, Otto Herbert Hajek, Hans Hollein, Günther Uecker y Max Bächer.

Os aconsejo comprobar la belleza de la arquitectura de Zamp Kelp en su web: http://www.zamp-kelp.com/

«El arte ha asumido planteamientos abiertamente políticos»

2008-04-01T08:55:00.005+02:00

La Nueva España, viernes 28 de marzo de 2008.

«El arte ha asumido planteamientos abiertamente políticos»

YAYO AZNAR PROFESORA DE HISTORIA DEL ARTE DE LA UNED, DIRIGE UN CURSO DE ARTE CONTEMPORÁNEO EN GRADO.

Gijón, J. C. GEA.

El debate sobre los aspectos más relevantes -y problemáticos- del panorama artístico contemporáneo mantendrá a partir de hoy ocupados a los participantes en el curso «Tendencias del arte actual», que organiza la UNED en colaboración con el Ayuntamiento de Grado. Las jornadas, que se prolongarán hasta el domingo, reunirán a especialistas de todas las áreas relacionadas con el arte coordinados por la profesora titular de Historia del Arte de la UNED Yayo Aznar, que ha concebido el curso como «un intento de dar una visión panorámica de lo que está pasando, desde la década de los ochenta hasta hoy», con especial atención «al comportamiento del arte en nuestro contexto social y político y a las reflexiones que nos plantea». La revisión abordará los «nuevos modos de mirar, hacer, visibilizar y reflexionar» en torno a una actividad que ha reasumido, para Aznar, «planteamientos abiertamente políticos».

-¿Qué es lo más relevante que ha sucedido en esos casi 30 años?

-Al hacer un mapeo del período, el problema más evidente que se plantea es la posición que ocupa la estética respecto a los planteamientos del arte. Se hace necesario redefinir la estética, resituarla; aunque la reflexión teórica ha intentado en todo momento avanzar en paralelo con lo que se está haciendo, ha quedado descolocada. El arte ha tenido comportamientos políticos que en parte responden a una definición de la estética de las vanguardias que es imposible que se puedan asumir hoy.

-¿A qué se ha debido ese desplazamiento hacia lo político, si no es «revival» de las vanguardias?

-En realidad, la estética en la que se arropaban las vanguardias era formalista y despolitizada a pesar de las posiciones individuales o colectivas de compromiso político. Era un arte que hablaba de sí mismo, de los problemas del arte. Lo que pasó, a partir del 68, fue algo muy distinto: un movimiento opuesto en virtud del cual una parte del arte decidió dejar de hablar de sí mismo para dirigir su mirada a su alrededor.

-«Político» no es, pues, «militante».

-No desde luego en el sentido de política de partidos. El de hoy es un arte plenamente comprometido desde el punto de vista del pensamiento crítico y del comportamiento político a secas. Y eso hace que se encuentre con problemas y contradicciones.

-¿En su relación de dependencia de lo institucional y lo público, por ejemplo?

-Aunque es una de las contradicciones más evidentes, no creo que sea de las más relevantes. Por otra parte, no veo por qué el pensamiento crítico y el pensamiento artístico no pueden tener un lugar en el ámbito de lo institucional.

-Operar «desde dentro».

-Es que se puede y se debe trabajar desde dentro. Otra cosa muy distinta es hacerlo aceptando los presupuestos del sistema. Se me ocurre el caso de Santiago Sierra, un artista cuya posición es incómoda para muchos, pero que opera desde dentro cuestionando con su trabajo los presupuestos del sistema.

-Otros discursos artísticos pueden prescindir del público; el arte del que habla no tiene sentido sin él. Pero no siempre lo encuentra...

-Se le plantean dos problemas. De una parte, se mantiene la herencia de un cierto temor hacia lo que se considera elitista. Hay una parte del público que piensa que cierto tipo de arte está dirigido a un grupo intelectual y económico muy determinado y eso crea una especie de complejo que sigue extendido. Pero el arte y la estética actual también tienen muy claro que es el espectador quien activa la obra; que sin él no hay obra. Esa convicción es cada vez más clara, pero también implica que al espectador se le exija un trabajo cada vez mayor.

-Lo cual lleva a la necesidad de hacer didáctica de esos nuevos «modos de mirar».

-Es fundamental. El arte del que estamos hablando requiere que aprendamos a mirar de maneras muy diferentes a las usuales.

-É cada vez más laminadas por los medios de masas.

-No tanto laminadas como saturadas. La sobrecarga de imágenes y de datos acaba por hacer que a base de ver tanto acabemos no viendo nada en absoluto. De ahí que al artista se le plantee la necesidad de trabajar simultáneamente en su arte y con su público.

-¿Y la crítica? ¿Ha sabido acompasarse o le sucede lo mismo que a la reflexión teórica?

-Con honrosísimas excepciones, lo mismo. No está trabajando hoy de manera que pueda abarcar todo el mapa. Y la ignorancia es mayor aún respecto a otras áreas del mundo. Buena parte de lo que hoy se hace se está haciendo fuera de escena, a menudo porque así se busca, y la crítica no sabe ni quiere acercarse a ese ámbito. No mira hacia allí porque, sencillamente, eso no está en Kassel.

-¿Esa automarginación no dificulta, paradójicamente, llegar al público?

-No necesariamente. Mantener distancia respecto al circuito tradicional no anula multitud de otros canales que están abiertos.

-¿Internet, por ejemplo?

-Juega un papel muy importante para muchos artistas.

Conferencia de Santiago Auseron en ACoruñaSon 08.

2008-03-27T10:55:00.012+01:00

Aquí podeis ver el video de la conferencia de Santiago Auseron en ACoruñaSon o8.

http://acorunason.eu/

"Tomando el té con la Reina de Inglaterra"

2008-03-25T13:41:00.013+01:00

"Tomando el té con la Reina de Inglaterra"es el título de esta serigrafía, obra de René López Estrada, conocido en el circuito de arte asturiano como "Remy".

Esta obra de gran formato está entre mis favoritas del artista. La estética Neopop, el cromatismo y la intencionalidad, entre otros aspectos, la hacen merecedora de las mejores críticas.
La experimentación de Remy en diversos campos de la plástica sigue en ebullición. Sus proyectos tienen un trasfondo reflexivo de hondo calado, donde las formas arropan o desnudan el mensaje sin paliativos.

René me invitó en 2006 a redactar una introducción a la exposición que estaba preparando en aquél momento, y en dicha introducción hablé sobre el privilegio que había tenido al abrir en numerosas ocasiones su carpeta de obra gráfica. La primera vez que lo hice, inmediatamente saltó a mi cabeza la melodía de “Superhéroes de Barrio”, de Kiko Veneno. A medida que avanzaba por su obra, la letra de la canción se imponía obsesivamente, “vuela tú mi hermana, la paloma supermana...”. Pues bien, a medida que he conocido a Remy he entrado en la zona crepuscular donde superhéroes y antihéroes, protagonistas y antagonistas, hijos de la ciencia ficción y del cómic, resuelven infinidad de dilemas.
En Remy se suceden un gran numero de inquietudes estéticas. Es éste un creador que aglutina un universo underground que al ojo inquieto le trasportará a un horizonte seguramente visionado anteriormente por “Estela Plateada”, personaje de ficción de cualidades extraordinarias. Su obra figurativa penetra en las emociones humanas valiéndose de los misterios del cómic o de la viñeta para conformar una realidad compleja; siempre con un mensaje, bien en forma de humor inteligente bien, en sus propias palabras, para “fortalecer las defensas de la sociedad”. La obra hunde sus raíces en “Spiderman”, “Batman”, “Los 4 Fantásticos”, “Los Vengadores”, “Masacre”, “Thunderbolts”, “X-men”, personajes que nos ofrecen unas posibilidades de análisis en amplitud de ciertos valores morales que subyacen en la sociedad occidental, y curiosamente en la admiración que siente por Jackson Pollock o René Magritte.
Estamos ante un creador que genera un mensaje auténtico; no se puede escapar a nuestra atención la delicada construcción narrativa en la que se apoya la imagen de “El mundo de Rubik”, “Que no te mate el mensajero”, “Tomando el té con la Reina de Inglaterra”, “El más buscado de arte”, “Prohibido adelantar-me”, “Duelo de identidades”, “Fauna humana en estado puro”, etc.

Esperamos con impaciencia sus nuevas aventuras!.